D+Arch

BRAND NEW GALLERY Opening NY: New Perspectives | Dark before the bright exit

2011-09-20T18:04:00.000+02:00

[comunicato stampa]

BRAND NEW GALLERY

presenta

NY: New Perspectives
in collaborazione con Linda Yablonsky

22 settembre-29 ottobre 2011
Opening: 22 settembre, 18.00-21.00

Ellen Altfest, Anna Betbeze, Joe Bradley, Anne Collier, Rosson Crow, Roe Ethridge, Teresita Fernandez, Jason Gringler, Tamar Halpern, Adam Helms, Josh Kolbo, Josephine Meckseper, Sam Moyer, Angel Otero, Janaina Tschape, Sara VanDerBeek, Lisa Yuskavage.
Brand New Gallery è lieta di presentare NY: New Perspectives, una mostra in collaborazione con Linda Yablonsky.

Yablonsky è una giornalista e critica d’arte, vive e lavora a New York, dove collabora regolarmente per T: The New York Times Style Magazine, Artforum.com, Artnet e The Art Newspaper, W magazine, Interview magazines e altre pubblicazioni. Ha scritto testi per cataloghi di mostre di alcuni artisti tra cui Anish Kapoor, Pipilotti Rist, Jeff Koons, Richard Phillips, Mark Morrisroe, Haroon Mirza, Pat Steir e Keith Sonnier, solo per citarne alcuni. Linda Yablonsky è anche autrice di The Story of Junk: A Novel (pubblicato in Italia col il titolo Tutto Quel Buio), ed è membro della facoltà universitaria e post-universitaria della New York's School of Visual Arts.

La mostra offre un’introduzione ad alcuni dei più interessanti artisti delle ultime generazioni che vivono e lavorano a New York, esplorando le ultime tendenze della scena artistica di questa città.New York è stata il centro del mondo dell’arte contemporanea per oltre cinquant’anni e nonostante oggi, grazie alla globalizzazione, si siano sviluppate ed abbiano ottenuto riconoscimento altre città come Berlino o Los Angeles, New York riesce ancora ad attrarre e a rimanere uno dei più importanti e dinamici punti d’incontro del panorama artistico internazionale. Traendo ispirazione dal vivere in uno dei centri culturali più creativi ed eterogenei del mondo, in una città che si reinventa costantemente, gli artisti selezionati spaziano attraverso un’ampia varietà di processi e pratiche artistiche: usando media diversi, dalla pittura alla scultura, dalla fotografia al video, esplorano ed analizzano i problemi estetici, culturali e sociologici del nostro tempo.Questa mostra sottolinea l’eterogeneità dei linguaggi usati dagli artisti selezionati: dall’uso di materiali tradizionali come l’olio o acrilico su tela nelle opere di Lisa Yuskavage, Ellen Altfest, Rosson Crow, Joe Bradley, Angel Otero si passa ad un nuovo livello di pittura realizzata con media non convenzionali come i tappeti di lana corrosi da acidi di Anna Betbeze, il plexiglass e vetri rotti montati su telaio di Jason Gringler, la grafite naturale nell’opera di Teresita Fernandez, o l’inchiostro e la candeggina nelle tele di Sam Moyer. Una sezione della mostra è dedicata al medium fotografico, analogico e digitale, o video nelle opere di Anne Collier, Roe Ethridge, Adam Helms, Josephine Meckseper, Tamar Halpern, Josh Kolbo, Janaina Tschape e Sara VanDerBeek.

Rosson Crow
Dining Hall at Ravenna Plantation, 2011
Acrilico e olio su tela, cm 243,8 x 274,3
Courtesy of the artist e Honor Fraser Gallery, Los Angeles

Janaina Tschape
Lacrimacorpus, 2004
Installazione video ad un canale, durata 3 min 36 sec
Courtesy of the artist

JULIANA ROMANO
Dark before the bright exit

22 settembre-29 ottobre 2011
Opening: 22 settembre, 18.00-21.00

Brand New Gallery è lieta di presentare Dark before the bright exit, prima personale europea dell’artista americana Juliana Romano (classe 1982).
Tratto da un verso della poesia “Orphes. Eurydice. Hermes” (1904) di Rainer Maria Rilke, il titolo richiama alla memoria la storia di Orfeo e Euridice che Juliana Romano paragona alla pratica artistica. Come Orfeo, l’artista non deve mai voltarsi indietro né analizzare ogni singolo movimento ma seguire il proprio istinto.
I dipinti di Romano esplorano momenti di introspezione, in sospeso tra realtà e immaginazione. I soggetti ritratti, basati su personaggi tratti da film, romanzi o dipinti antichi, sono decontestualizzati, non viene dato allo spettatore alcun accesso ad una narrativa concreta. Immersi in un’atmosfera profondamente personale che intensifica lo stato melanconico, le giovani donne ritratte sembrano appartenere ad un universo evanescente dove la complessità e l’intensità dello stato emotivo vengono amplificate dalla ricchezza cromatica e dalla tensione formale del dipinto. Le figure sono poste in spazi che sembrano familiari e specifici ma che allo stesso tempo appaiono vaghi e distanti. Attraverso il processo pittorico l’artista si avvicina empaticamente all’identità dei soggetti, catturandone lo spirito, la sfuggevole bellezza ed investigando il loro bisogno di una sicurezza emotiva.In questa nuova serie di opere questo immaginario viene usato per esplorare più profondamente i processi pittorici. Interessata alla fragilità del realismo, a come pochi segni possano costruire un’immagine scaturita dalla semplice materia pittorica, Juliana Romano crea un equilibrio sfuggevole di reale e astratto in totale sintonia con il romanticismo dell’opera.

Girl lying on her back and turning her head, 2011
Olio su tavola, cm 35x27,5
Courtesy of the artist and Brand New Gallery, Milano

Brand New Gallery

via Farini, 32 20159 Milano

t. +39.02.89.05.30.83

da martedì a sabato

11.00-13.00; 14.30-19.00

info@brandnew-gallery.com

http://www.brandnew-gallery.com/

Ufficio stampa

Lucia Crespi

via Francesco Brioschi 21, 20136 Milano

t. +39.02 89415532 - 02 89401645

lucia@luciacrespi.it

Summer School Selinunte 2011

2011-08-04T20:28:00.012+02:00

Sono aperte le iscrizioni alla seconda edizione della Summer School Selinunte 2011 organizzata da Associazione Italiana di Architettura e Critica_presS/Tfactory.

Quest'anno, dal 2-9 Ottobre, la Summer School sarà incentrata sul Parco Archeologico - il più grande d'Europa - e sul rapporto con la città di Marinella di Selinunte attraverso tre workshop che si svolgeranno in contemporanea. Quello di progettazione avrà per tutor: Benedetto Camerana, Elena Farini, Firuz Galdo, Moya Trovato Arquitectos, Stefano Pujatti, Italo Rota, Giovanni Vaccarini. Quello di fotografia Moreno Maggi. Quello di progettazione parametrica Massimo Russo.

Il costo a partecipante è di 350 euro, compreso vitto e alloggio in albergo per tutta la durata della Summer School.

Manda la tua candidatura entro il 13 settembre 2011 a: infoworkshop@presstfactory.com

Per scaricare il bando completo clicca qui

Partner Istituzionali:
- Regione Siciliana: Assessorato dei Beni Culturali e dell'Identità Siciliana Dipartimento dei Beni Culturali e dell'Identità Siciliana Parco archeologico di Selinunte e Cave di Cusa Vincenzo Tusa e delle aree Archeologiche di Selinunte, Campobello di Mazara e dei Comuni limitrofi - Comune di Castelvetrano e Selinunte

Italian Workshop Design - Italian Chair District

2011-06-25T09:35:00.000+02:00

Innovazione, contaminazione tra culture e territorio

Italian Workshop Design individua il nuovo corso dell’arredamento made in Italy

Il design, tra le eccellenze del made in Italy, trae la sua ricchezza dalla continua ricerca d’innovazione e dalla contaminazione tra culture diverse, questi i valori che hanno mosso la prima edizione dell’Italian Workshop Design, appena conclusosi nel Italian Chair District, in provincia di Udine.
Ecco perché il Distretto ha selezionato 8 giovani talenti del design internazionale per metterli al servizio di 24 aziende che hanno voluto essere coinvolte in questa settimana del design.
A guidare gli 8 designer 3 maestri del disegno italiano: Carlo Colombo, Matteo Ragni e lo Studio Blumer.
Quest’anno il tema del Workshop è stato “Design Woodmaking: chairs and more” ed è proprio su questo argomento che Carlo Colombo ha incentrato il suo intervento definendo il legno come “l’unico materiale realmente vivo”.
Matteo Ragni ha impartito una lezione di strategia indicando come ricetta per il design di successo la condivisione e interpretazione dell’idea con l’imprenditore, ponendo in secondo piano il ruolo del designer istrionico e sottolineando che “il design italiano è fatto da imprenditori che si innamorano di un progetto”.
Lo studio Blumer ha insegnato ai giovani designer come guardare la natura per trarre da essa ispirazione nei progetti che uniscano funzionalità e sostenibilità.
Da qui a pochi mesi vedremo quali dei 24 progetti realizzati dai designer le aziende del Distretto decideranno di mettere in produzione. Nell’attesa ecco i nomi dei designer di cui sentiremo parlare in futuro ed alcuni dei loro lavori realizzati ad oggi.
Questi gli 8 designer internazionali che hanno partecipato al Workshop: Demet Bilici (Turchia), David Ericsson (Svezia), Krystain Kowalski (Polonia), Susan Verheijen (Olanda), Behnam Farahpour (Libano), Sebastian Herkner (Germania), Jaroslav Jurica (Repubblica Ceca) e Emanuele Magini (Italia). [Stefano Luperto - COMUNICATO STAMPA]

Contatti/Informazioni

http://www.italian-workshop-design.it/it

http://www.facebook.com/italian.workshop.design

BINARIO7."OSCURAMENTE" A 70M2

2011-02-22T09:30:00.002+01:00

COMUNICATO STAMPA

http://www.70m2.it/ Via Poggiali, 10 57125 Livorno t/f +39 0586 897477

presenta

BINARIO 7 oscuraMente

dal 25 febbraio al 5 marzo 2011

INAUGURAZIONE VENERDI 25 FEBBRAIO ORE 18:00

Binario 7 è un collettivo di giovani fotografi che dal 2007 mette in mostra lavori corali in cui le singole individualità convivono in modo armonico; un gruppo sempre alla ricerca di metodi espositivi non convenzionali e con una passione comune per musica e letteratura.

Con la loro ultima installazione oscuraMente, 70m2, in via Poggiali 10 a Livorno, inaugura una nuova stagione di eventi.

Fotografia e psicanalisi contribuirono nel Novecento, insieme ad altre epocali rivoluzioni, ad un mutamento radicale nella cultura occidentale delineando i caratteri di quella modernità della quale ancora oggi rielaboriamo la portata. In oscuraMente psicanalisi e fotografia si affiancano in maniera suggestiva.

Per vedere gli scatti in mostra siamo invitati a percorrere un passaggio avvolto dal buio, una “camera oscura” dove le immagini si generano colpite dal fascio di luce di una torcia elettrica. L'oscurità è il tema centrale dell'installazione: la mancanza reale di luce è il traslato delle tenebre della razionalità. Le foto propongono visioni soggettive di alcuni pazienti freudiani o possibili loro ritratti, ovviamente secondo l'interpretazione di Binario 7. Ogni membro del gruppo si è calato nella psiche di un personaggio per tracciarne una presunta identità, ispirato dalla lettura dei Casi clinici di Sigmund Freud.

Il pubblico compie un'esperienza interattiva dentro la “scatola nera” pensata da 70m2: rimando metaforico alla scatola cranica dove albergano le immagini dell'inconscio. Il suono che accompagna i passi incerti del visitatore e amplia il numero dei sensi messi in gioco, rende questa sperimentazione ancora più coinvolgente. Binario 7 ha affidato a Giorgio De Santis, con il quale collabora per la prima volta, il disegno della parte acustica dell'installazione.

Lo studio di architettura 70m2, che collabora sempre attivamente nel disegno dell'allestimento per gli eventi che organizza, ha concepito e realizzato per questo lavoro un corridoio sensoriale che invade totalmente lo spazio e che rimarrà percorribile per l'arco di una settimana, dal 25 febbraio al 5 marzo, in base ai seguenti orari: dal Lunedì al Venerdì, 9:30 – 13:00 e 16:00 – 19:30; Sabato, 16:00 – 20:00.

Binario 7 sono: Giulia Barsottini, Alessio Bonatti, Chiara Nicolosi, Francesca Nicolosi, Gian Luca Palazzolo, per il profilo del gruppo www.binario7.com

Mario Nanni. Poeta della luce

2011-02-01T21:51:00.030+01:00

ADI Impresa Docet

2010-11-12T17:20:00.008+01:00

ADI DIPARTIMENTO IMPRESE PRESENTA: IMPRESA DOCET

Le aziende si raccontano, gli studenti domandano e scoprono.

Comunicato stampa

Milano, 11 ottobre 2010 – Parte il 25 ottobre il primo degli incontri IMPRESA DOCET, creato dal Dipartimento Imprese ADI - Associazione per il Disegno Industriale, per gli studenti universitari delle facoltà di design, architettura e ingegneria.

Sette gli appuntamenti IMPRESA DOCET, previsti in calendario da ottobre 2010 a maggio 2011, che vedranno impegnate sette imprese associate ADI in incontri con i giovani che vogliono cominciare ad avvicinarsi al mondo del lavoro.

Nei 120 minuti messi a disposizione per i singoli incontri i giovani avranno l’opportunità di ascoltare e poi confrontarsi con imprenditori, art director, ingegneri, direttori marketing e quanti contribuiscono a fare progetto all’interno delle aziende dell’Italian design.

I primi incontri nel 2010 sono:

• 25 ottobre: BTicino

• 23 novembre: Moroso

Gli altri incontri in calendario:

• 25 gennaio 2011

• 22 febbraio 2011

• 22 marzo 2011

• 19 aprile 2011

• 24 maggio 2011

Gli incontri si svolgeranno presso lo Spazio SAGSA di Milano (via Ripa di Porta Ticinese 111).

A svolgere il ruolo di moderatore degli incontri sarà Didi Gnocchi di Ultrafragola, il canale web TV di design che curerà anche le riprese degli incontri, visibili in streaming sul web.

Per la promozione e comunicazione di IMPRESA DOCET il Dipartimento Imprese ADI si avvarrà del canale universitario e di Due Monete, agenzia specializzata in viral marketing che veicolerà le notizie pre e post incontri attraverso Facebook, Twitter, Flickr, YouTube, blog e siti design.

Breve profilo BTicino

BTicino è da sempre testimone dei valori del nostro paese in termini di qualità, tecnologia d’avanguardia e cultura progettuale. L'attenzione al design ha contribuito alla diffusione del suo marchio nel mondo consentendole di ottenere importanti riconoscimenti, tra cui due Premi Compasso d’Oro per Living (1989) e My Home (2001). Con soluzioni tecnologiche innovative e design ha spesso anticipato l’evoluzione e le scelte del mercato (la serie Magic e le prese modulari, il Salvavita®, ...) influenzando il gusto all’uso delle funzioni elettriche, oltre che come elementi di comfort, di sicurezza e di risparmio energetico, anche come soluzioni di arredo.

Breve profilo Moroso

Moroso, fondata nel 1952 da Agostino Moroso, progetta e produce divani, poltrone e complementi d'arredo. Oggi Moroso è azienda leader nel suo settore, una posizione raggiunta grazie a diversi fattori quali la continua ricerca, l' innovazione delle tecnologie e nei materiali, la sapiente cura artigiana e una visione strategica e poliedrica del mercato.

Informazioni su IMPRESA DOCET:

Sig.ra Yara Cutolo

ADI – Associazione per il disegno Industriale

Via Bramante, 29 – 20154 Milano

Tel. +39 02 33 100 241

y.cutolo@adi-design.org

Sito ufficiale dell'ADI: http://www.adi-design.org/homepage.html

Blog di ADI Impresa Docet: http://impresadocet.wordpress.com/

Pagina Facebook: http://it-it.facebook.com/pages/ADI-Impresa-Docet/153515144688970

Profilo Twitter: http://twitter.com/adiimpresadocet

Canale di Youtube: http://www.youtube.com/user/adiimpresadocet

Profilo Flickr: http://www.flickr.com/people/54599067@N06/

"PLEASE ME FASHION. FLUTTUAZIONI TRA ART E FASHION"_Sabbioneta Art Festival

2010-08-31T19:48:00.002+02:00

PLEASE ME FASHION FLUTTUAZIONI TRA ART E FASHION

Sabbioneta, Palazzo Ducale

Photos by A.M.Bonora @ D+Arch

Opere di

Carlotta Actis Barone , Elvezia Allari , Marloes dieci Bhömer , Benedetta Bonichi, Bordin Sandra, Silvia Bordin , Paolo Cassarà , Nick Cave , Roberta Chioni , Antonella Cinelli , Girolamo Ciulla , Daniela Comani , Corpicrudi , Caterina Crepax , Corrado Dalcò , Degni Miky, Moria De Zen, Dvorak Louisa, Elmerald , Elisabetta Farina , Matteo Farolfi , Marina Fedorova , Sandro Ferrone , Massimo Festi, Silvia Fiorentino , Fabio Fornasari, Anna Fracassi , Francesca Gagliardi, Marina Gasparini , Massimo Giacon , Tea Giobbio , Ghita , Zoè Gruni , Hesselberg Susanna, Faiyaz Jafri, Knotan , Oskar Kogoj , Gabriele Lamberti , Gianmarco Lorenzi, Makarova Saša , Franco Matticchio , Fernanda Moneta, Gaetano Muratore , Jum Nakao , Barbara Pelizzon , Piero Perfetto , Mariuccia Pisani , Klaus Pobitzer , Gianni Renzi, Jeannette Rütsche , Schietekat Paolo , Antonello Silverini , Barbara Taboni , Cosimo Terlizzi, Giovanna Torresin , Vittorio Valente, Aleksandra Zaharova e Ilya Plotnikov , Andrea Zago, Zanetti Chiara, Dania Zanotto

A cura di

Isabella Falbo, Ferruccio Giromini, Roberto Roda

Con la collaborazione di

Marcello Pecchioli

E il coordinamento di

Matteo Fazzi

Moda: croce e delizia della vita quotidiana, non solo quella femminile

Moda: oggetto e soggetto culturale nella storia e nella società , soprattutto al giorno d'oggi

Moda: inferno e il paradiso dello sguardo artistico , in particolare di quella contemporanea

Moda: la bellezza e provocazione, sempre

Comunicato stampa

La mostra propone una narrazione del rapporto tra arte e moda, mettendo in luce un panorama artistico in cui le tendenze più innovative sembra essere ispirato alla filosofia della convergenza, da contaminazione o di creatività multimediale. Nel corso degli ultimi dieci anni, Arte e Moda sembrare a diventare sempre più connesso, fino al punto in cui sono stati delineati nuovi statuti unificante. Anche se, considerando che l'arte è andato giù il percorso alla ricerca del criterio approvato, Fashion regolarmente rinnovata e reinventata, trasformandosi in un 'bene culturale' e "codice culturale". Oggi la moda è diventata una nave del 'presente', il mirroring del cambiamento e la consacrazione di nuove forme culturali.Installazioni, Abbigliamento- sculture, fotografie, video, pittura, i beni culturali: opere di sessanta artisti italiani ed internazionali - dall'Austria agli Stati Uniti, dalla Svezia alla Russia, dal Belgio Brasil - comporre un panorama stupefacente in cui Arte e Moda convertire e si sovrappongono.

PLEASE ME FASHION si dipana attorno al 5 ampie sezioni a tema, nello spazio di grande suggestione che è il Palazzo Ducale di Sabbioneta, occupando gli ampi spazi su entrambi i piani.

DE LUXE : Sins e espiazioni

FASHION romanzi: La storia vestita

De Sade sarti : Vanity 's inferni

FASHION intellettuali: fantasie hibrid arte

MODA TECH: Al di là della moda e verso il futuro

La Mostra ha avuto luogo entro il Sabbioneta ART FESTIVAL: Temi, Tendenze e nuove generazioni di Arte Contemporanea, 5 ° Giugno- 18 Luglio 2010, organizzato dal Centro Studi Giovanile ERMES , diretto da Matteo Fazzi.

Mimmo Rotella. "Viaggio nel Grande Cinema"

2010-08-28T20:18:00.000+02:00

Mimmo Rotella, Viaggio nel Grande Cinema

Inaugurazione in occasione della Notte Bianca il 4 settembre 2010 ore 21.30,
Castello Visconteo di Pavia, Musei Civici

“L'artista sensibile a ciò che succede nel
mondo dovrebbe raccontare con la sua
creatività i fatti più importanti
della nostra vita.”
Mimmo Rotella

Comunicato Stampa

La rassegna presenta trentacinque multipli décollages sul tema del Grande Cinema realizzati da Mimmo Rotella (1918-2006).

Protagonista della scena internazionale dell’arte del nostro secolo, Mimmo Rotella nel 1961 aderisce, su invito del critico Pierre Restany, al gruppo del Nouveau Réalisme che annovera, fra gli altri, Klein, Tinguely, César, Spoerri, Arman e Christo.

All’epoca della dolce vita romana Rotella comincia il suo lavoro di esplorazione del mondo delle immagini come espressione della società in termini di consumi, atteggiamenti, sogni e speranze. Dalla seconda metà degli anni Cinquanta l'artista ruba e strappa i manifesti pubblicitari dalla strada per poi incollarli su tela e strapparli nuovamente. I suoi soggetti preferiti sono i cartelloni che promuovono le star e i grandi titoli delle pellicole cinematografiche, che racchiudono sogni e miti di intere generazioni.

La mostra ospitata presso il Castello Visconteo di Pavia presenta una rassegna dedicata al cinema dove i Cult Film e gli attori mitizzati si susseguono in un viaggio attraverso il tempo. Tra i soggetti in mostra troviamo Via Col Vento, Gilda, La Magnifica Preda, Batman, Diabolik, Casablanca, Caccia al Ladro, Il Gigante, Fermata d’Autobus, A qualcuno piace caldo, L’Angelo Azzurro, La Giungla d’Asfalto e molti altri.

Le opere, realizzate dal maestro negli ultimi anni della sua attività, sono décollage eseguiti singolarmente, raccolti in tiratura, numerati progressivamente e firmati dall’artista. La tecnica si basa sulla stampa di un manifesto su un fondo di supporto e la successiva applicazione di un altro manifesto, sovrapposto e incollato per rendere attuabile lo strappo a mano del maestro, che interviene personalmente sulla tiratura.

Ogni esemplare dunque, pur rispondendo al concetto di multiplo, viene trattato come un'opera unica originale, rientrando pienamente nel senso complessivo del lavoro di Rotella.

Castello Visconteo, Musei Civici
Viale XI Febbraio n. 35, Pavia

Dal 5 settembre al 4 ottobre 2010
martedì - domenica: 10.00 alle 17.50

Per info:

http://www.art-action.it/ Studio d'Arte Contemporanea

http://www.comune.pv.it/

"People meet in architetcture". T-B A21 alla Biennale di Venezia 2010

2010-08-27T18:41:00.119+02:00

Thyssen-Bornemisza Art Contemporary alla 12. Mostra Internazionale di Architettura

People meet in architecture

La Biennale di Venezia 2010

Comunicato Stampa
Impegnata nella commissione e nella produzione di progetti di arte contemporanea Thyssen-Bornemisza Art Contemporary da anni è anche coinvolta nello sviluppo, nella produzione e, più in generale, nel discorso relativo all'architettura contemporanea con progetti come Your black Horizon di Olafur Eliasson e David Adjaye, The morning Line di Matthew Ritchie e Aranda\Lasch, cosi come altre collaborazioni con la Biennale di Architettura di Venezia.
Quest'anno, T-B A21 è stata invitata a co-produrre thebuildingwhichneverdies dello studio R & Sie (n) e Modern Primitives di Aranda \ Lasch presentati in People Meet in Architecture, a cura di Kazuyo Sejima, cosi come alcune interazioni più piccole con Berger&Berger e Hernan Alonso Diaz nel Padiglione Austriaco.

Aranda\Lasch, Modern Primitives - 2010
con Island Planning Corporation
“Modern Primitives è uno spazio che sembra cadere a pezzi, e ricostruirsi allo stesso tempo. È una rovina contemporanea dove oggetti ricoperti di piante e piante ricoperte di oggetti vengono dispersi liberamente nello spazio espositivo. A seconda di come viene percepito il ciclo, questo spazio può rappresentare il luogo da dove veniamo o quello dove stiamo andando.
L’installazione è composta da grandi blocchi di pietra, piccoli pezzi primitivi costruiti su massi più grandi sui quali ci si può sedere, appoggiare o che si possono tenere tra le braccia. Analizzandola in modo più semplice, Modern Primitives è un modo per arredare uno spazio. Questa idea può diffondersi al di là della mostra e contaminare la città - nelle strade, nei canali e nei giardini di Venezia.” (Aranda \ Lasch)
In esposizione in questo momento: The Morning Line, Istanbul, Eminönü Square. Un palcoscenico per la musica contemporanea e la composizione, The Morning Line è una struttura pubblica – alta 8 metri e lunga 20, costruita con 17 tonnellate di alluminio – che esplora le interrelazioni tra arte, architettura, musica, matematica, cosmologia e scienza.

R&Sie(n), thebuildingwhichneverdies - 2010
Il contributo di R & Sie (n) alla 12. Mostra Internazionale di Architettura - un progetto per Zumtobel Light Company - potrebbe diventare un "cabinet de curiosité" nel contesto della Biennale. Come un laboratorio thebuildingwhichneverdies (l'edificio che non muore mai) è un centro di ricerche che si occupa di tre campi: l'adattamento fisiologico al buio per ridurre l'inquinamento luminoso urbano, i cicli circadiani degli esseri umani e gli effetti della melatonina attraverso il controllo di intensità della luce artificiale, e le patologie legate ai raggi UV, conseguenza dell’indebolimento dello strato di ozono. Proprio per questo terzo aspetto della ricerca, la superficie esterna del laboratorio è formata da componenti incandescenti sensibili ai raggi UV con pigmenti Isobiot®ope che, come una moltitudine di marker, rivelano il livello di pericolosità dei raggi. Lo scopo è quello di mostrare la sostanza della luce, attraverso apparecchiature che sono contemporaneamente fisiologiche, psicologiche e patologiche, articolando l'ambiguità e la contraddizione di effetti sicuri e non sicuri.

Berger/Berger, Ça va (a prefabricated movie theater) - 2010
Ça va (a prefabricated movie theater) è la creazione di uno spazio unico dedicato all’incontro dei film con il loro pubblico. Originariamente proposto nel quadro dell’opera teatrale Ça va di Philippe Minyana, e diretto da Robert Cantarella presso il Teatro di Digione, questa alcova pubblica è una busta posta all'interno di un’altra. Un cinema temporaneo, risultato di un protocollo che determina il comportamento di un pubblico, che può portare lo spettatore ad un’esperienza che va oltre la semplicità dell’utilizzo di un oggetto costruito.
Per la 12. Mostra Internazionale di Architettura a Venezia, il teatro prefabbricato presenterà una vasta scelta di opere: film, video, installazioni sonore - creati dagli artisti invitati. TB A21 contribuira’ con alcuni film della sua collezione al programma di Berger/Berger: Mario Garcia Torres, Carta Abireta uno a Dr. Atl (2005), Teresa Hubbard & Alexander Birchler, Single Wide ( 2002) e Rodakis di Olaf Nicolai (2007).

Hernan Diaz Alonso, TB A21 Patagonia - 2010
“Il modello TB A21 Patagonia presentato alla 12. Mostra Internazionale di Architettura incarna la continuazione dell’animazione TB A21 Patagonia del 2008, un esperimento su una forma remota di architettura. Situato alla base delle Ande in Argentina, di per sé un habitat remoto, questo proto-museo agisce come un ambiente estetico allargato all'interno del paesaggio arido della regione. Con l’intervento di un'intelligenza straniera ma sensibile si può sviluppare una nuova condizione ambientale. Coloro che vi si dedicano, possono trovare una nuova e inaspettata capacità di accedere a quella condizione dinamica e profondamente energetica che produce l'ambiente stesso. Poiché questa forma mutante, più organo che creatura, passa dalla periferia al suo centro, fa emergere sacche di spazio che formano così l’intero progetto”. (Hernan Diaz Alonso)

Conversations on Mineral Furnishings
I progetti saranno contestualizzati attraverso una serie di conversazioni dal titolo Conversations on Mineral Furnishings ospitate all’interno dello spazio sperimentale progettato da Aranda \ Lasch e illustreranno il titolo della mostra di quest’anno People Meet in Architecture; in questo modo si perseguirà lo scopo principale della fondazione che è quello di sottolineare lo scambio pratico, intellettuale e teorico tra artisti, architetti, storici, critici, studiosi e curatori. Lo spazio è stato scelto appositamente per la sua caratteristica di luogo intimo e progettato per il dialogo.

Thyssen-Bornemisza Art Contemporary
Fondata nel 2002 da Francesca von Habsburg, la Thyssen-Bornemisza Art Contemporary (T-B A21) è il risultato della dedizione all’arte della famiglia Thyssen, ormai alla quarta generazione. La fondazione finanzia progetti di portata internazionale che esplorano modi di presentare che intendono provocare e ampliare il modo in cui il pubblico può percepire l’arte e l’architettura.

12. Mostra Internazionale di Architettura – La Biennale di Venezia
diretta da Kazuyo Sejima
29 agosto - 21 novembre, 2010
Giardini e Arsenale e varie sedi
Preview 26 agosto 26 – 28, 2010
Orari 10 – 18 pm

Conversations on Mineral Furnishings
28 agosto 2010, 13:00–15:30
Padiglione Italia, Palazzo delle Esposizioni

Projects Credits
Aranda\Lasch, Modern Primitives, 2010
With Island Planning Corporation
Supported by Fendi
Coproduced by Thyssen-Bornemisza Art Contemporary
Arizona State University – School of Architecture + Landscape Architecture
The Johnson Trading Gallery

R&S ie(n)/ New-territories, thebuildingwhichneverdies, 2010
On the biennale R&Sie(n) is associated to Stephan Henrich, M/M, Benoit Lalloz, with the participation of Gaetan Robillard, Gorka Arrizabalaga, Jean-Michel Castagné & Sandra Meireis, Ulrike Marie Steen, Hamish Rhodes, Gabriel Blue Cira, Alessandra Vassallo, Sina Momtaz, Liz Langard, Melissa Millot
Project for Zumtobel
Coproduced / cocommissioned by Zumtobel Lighting GmbH, Austria, and Thyssen-Bornemisza Art Contemporary
Additional support of CULTURESFRANCE—Ministère des Affaires étrangères et européennes / Materialise—3D print, Belgium and Tecmolde—CNC production, Spain

Berger&Berger, Ça va (a prefabricated movie theater), 2010
Construction team: Pyrrhus Conception
Technical managers: François Gaultier-Lafaye, Clément Arnoux
With the support of: Thyssen-Bornemisza Art Contemporary, Caterina Tognon Arte Contemporanea, ThyssenKrupp Elevator, CULTURESFRANCE, Ministère de la culture et de la communication, Service Culturel de l'Ambassade de France à Rome, Alain Resnais et Ciné Mag Bodard, Lux, DCTP Info & Archive, Garvan acoustic
Apart from the films, T-B A21 gave a hd-projector on loan

Hernan Diaz Alonso, T-B A21 Patagonia, 2010
Commissioned by Thyssen-Bornemisza Art Contemporary

Image credits
Aranda\Lasch
Modern Primitives, 2010
Coproduced by Thyssen-Bornemisza Art Contemporary
Photo: Courtesy of the architects
R&Sie(n)
thebuildingwhichneverdies, 2010 (study)
Coproduced by Thyssen-Bornemisza Art Contemporary
Photo: Courtesy of the architects
Hernan Diaz Alonso / Xefirotarch
T-B A21 Patagonia, 2008
Thyssen-Bornemisza Art Contemporary
Still: Courtesy of the architect
Berger&Berger
Ça va (a prefabricated movie theater), 2010
Supported by Thyssen-Bornemisza Art Contemporary
Photo: Guillaume Ziccarelli

Contatti/Informazioni
Thyssen-Bornemisza Art Contemporary
Himmelpfortgasse 13, 1010 Vienna
T +43 1 513 98 56 17
F +43 1 513 98 56 22
press@tba21.org
Silvia Macchetto
T +39 338 342958
silvia.macchetto@gmail.com
Giovanni Sgrignuoli
T +39 328 9686390
giovanni.sgrignuoli@gmail.com
Christina Werner/w.hoch.zwei.
Breite Gasse 17/4, 1070 Vienna
T +43 1 524 96 46 22
F +43 1 524 96 32
werner@kunstnet.at
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"Aprire le zolle" - OUTSIDER ART

2010-06-30T18:59:00.000+02:00

Era da qualche tempo che volevamo farlo, mollare del tutto l’ormeggio, essenzializzare, evitare l’eccesso di ragionamento, andare al nocciolo della questione, a monte dei concetti; ritrovare l’innocenza, affrancarci da troppe infrastrutture culturali, dalle costruzioni mentali, dall’eccesso di parole, parole, parole…. Aprire le zolle, ecco cosa volevamo fare: un po’ come abbiamo appreso da Ezechiele Leandro, che di noi che veniamo dalla Puglia è Maestro.

Ezechiele….e poi? E poi ci sono loro, i bambini; quando siamo in conversazione con un adulto e spesso, troppo spesso siamo lì ad annoiarci, con la coda dell’occhio non perdiamo di vista i movimenti della penna dei nostri bimbi e il foglio bianco che va riempiendosi; lo stupore è garantito, sempre! E poi? E poi c’è chi si salva dai processi produttivi – cosuma-produci-crepa – chi ne è tagliato fuori, respinto per inadeguatezza, mancanza di meccanicità, carenza di automatismo; chi si è sicuramente salvato dalla corruzione che tutti tenta e nessuno risparmia….
Dubuffet, già una settantina di anni fa, ebbe l’intuizione che sotto quel silenzio, quell’atto di esclusione che spesso degenerava (e degenera, magari con metodi più raffinati) in castigo travestito da “cura”, dietro quell’isolamento forzato doveva esserci un tesoro, doveva celarsi una goccia di splendore preziosa per tutti; bastava trovare un metodo delicato per farla emergere….e poiché lui era un artista, non ci mise molto a capirlo: serviva solo dotare di un pennello quelle mani reputate inutili ai meccanismi vuoti e nevrotici della crescita del PIL, e il gioco era fatto, la situazione capovolta e gli inabili adesso siamo noi, i poveri schiavetti, gli alienati.

Abbiamo fatto un giro tra diverse realtà del panorama italiano che ospitano persone respinte al margine del caos, quello insensato che viviamo quotidianamente; persone, almeno per questo, più innocenti di molte altre. Abbiamo capito che molto c’è da fare, ma abbiamo scoperto anche che c’è chi fa, anche a fatica, qualcosa di veramente impagabile: artisti e maestri d’arte che da anni si preoccupano di creare ambiente e condizioni perché il fiore possa schiudersi, e possa farlo nel migliore dei modi; veri Atelier d’Arte dove l’arte sgorga spontanea, come acqua dalla fonte…

Ci siamo riusciti, senza risorsa alcuna se non la voglia di essere insieme, fuori e dalla parte della bellezza.

“Aprire le zolle” è una mostra collettiva di Outsider Art, un piccolo evento senza grandi pretese, che comprende opere di artisti provenienti dagli Atelier “Le Rose” (Firenze), “ Il Mattone” (Genzano), “Blu Cammello” (Livorno), “Arti e Mestieri” (Roma), “Progetto Terrae” (Crispiano), “Progetto Giuseppina” (Roma).

Aprirà sabato 3 luglio - h.19,30, con un intervento di Paolo Iavarone e la speciale partecipazione del poeta\cantautore Paolo Zanardi; e chiuderà il 31 luglio, giusto in tempo per festeggiare il 109° compleanno di Jean Dubuffet.

Claudio Muolo

Photos © Claudio Muolo_ PREVIEW EXHIBITION @ D+Arch

Con la partecipazione di:

- Paolo Iavarone ( Atelier il Mattone – Complesso Integrato Riabilitativo San Giovanni di Dio Fatebenefratelli - Genzano di Roma).

- Cristiana Rossi, Marco Secci, Mimmo Epicoco, Daniela Di Furia (Laboratorio Arti e Mastieri – Opera Don Guanella – Roma).

- Riccardo Bargellini, Clara Rota (Atelier Blu Cammello – Livorno).

- Giancarlo Tissi (Comunità Progetto Giuseppina – Roma).

- Paola Sacchi, Viola Tortoli (Coop. Sociale Le Rose – Firenze).

- Lisa Serio (Progetto Terrae – Centro Salute Mentale Crispiano - TA).

- Tonino Geremia (Ass. Cult. Le Vie dei Canti – Genzano di Roma).

In collaborazione con:

- Ass. Cult. Il Chiodo di Sermoneta.

- Studio maRAMEo – Lampade Artistiche.

© Studio maRAMEo – Mr. Full Lover

Espongono, tra gli altri, gli artisti:

Anna “Cosi” Pugnali, Luigi Baldoncini, Angelo Valentini, Franco Faroni, Giovanni Perrone, Ascer Raccah, Antonio Ruggiu, Mario Papi, Michele Iannaccone, Giovanni Vitalini, Rodolfo Vaccaro, Luigi Tuveri, Gaetano Porcellini, Riccardo Sevieri, Nicola Cipollone…

“Aprire le zolle”

Outsider Art

dal 03 al 31 luglio 2010

a cura di CLAUDIO MUOLO

"Il Chiodo di Sermoneta"

Piazza del Popolo, 13

Sermoneta (LT)

tel. 3474096112

barcla@email.it

DMY_ International Design Festival Berlin 2010

2010-06-09T15:30:00.087+02:00

Questa sera parte l'8° edizione del DMY International Design Festival Berlin con una cerimonia di inaugurazione in un vasto hangar dello storico ex aeroporto di Tempelhof a Berlino.
Oltre 11.000 metri quadri pieni di prototipi e nuovi prodotti da oltre 400 progettisti per scoprire gli ultimi sviluppi nel campo del product design contemporaneo.

DMY Festival Berlin 2010. Image © DMY Berlin - Fesivalcatolog.

DMY BERLIN in collaborazione con CREATE BERLIN, durante la Milan Design Week 2010, hanno presentato 7 designer/laboratori creativi di Berlino per la mostra "Made in Berlin - Open Process".

Culture Form, E27, ett la benn, llot llov, Mark Braun, OLIVERVO e Werner Aisslinger, questi i nomi dei selezionatissimi partecipanti alla mostra, allestita in un particolare spazio di Zona Tortona: un "garage", dove gli strumenti, le macchine e i materiali rispecchiano la vita quotidiana di lavoro. "Open process" ha così offerto uno sguardo più da vicino ai processi di progettazione, dalla prima ispirazione e concetto, fino ad una serie di prototipi.

Quest'anno il DMY International Design Festival Berlin apporterà ulteriori novità rispetto le passate edizioni:

DMY Maker Lab,
che esplorerà la realizzazione di nuovi design e incoraggiare la progettazione e il pensiero aperto. Diverse postazioni-laboratorio inviteranno i visitatori a imparare, giocare e sviluppare la progettazione di altri fornendo un panorama di tecnologie e strumenti come stampanti 3D, taglio laser, plastica bio e di altre tecnologie fai-da-te. Così tutti potranno sperimentare il flusso costante e i principi della cultura digitale, come la condivisione e il crowdsourcing.

Swiss Design Focus,

in seguito al Dutch Design Focus dello scorso anno, il festival di quest'anno avrà un riflettore speciale sul design svizzero con l'introduzione delle scuole di design più importanti del paese, tra cui una mostra speciale EPFL + ECAL Lab e la prima mostra su prodotti basati sulla tecnologia FIDU presentati da Oskar Zieta e ETH Zürich, nonché opere e progetti da studi di design selezionati. Inoltre, la sezione mostra esporrà i vincitori del «Design Preis Schweiz» e premierà il futuro talento con l'Eidgenössischer Design Preis für.

DMY Festival Berlin 2010. Image © DMY Berlin - Fesivalcatolog.

Uno "Sguardo sulla Realtà e Oltre" a Sant'Andrea al Quirinale.

2010-05-14T14:42:00.087+02:00

AutoriOnline - Community d'Arte e Cultura

Mostra internazionale Collettiva di Arti Visive

"SGUARDO SULLA REALTA' E OLTRE"

A cura di Elisa Govi

Coordinamento Maurizio Lamorgese

Complesso di Sant'Andrea al Quirinale

Via Piacenza, 1 – Roma

Dal 14 maggio al 28 maggio 2010

Inaugurazione 14 maggio, ore 16

L'appuntamento, il programma sono di quelli da non perdere:

il vernissage inizierà alle ore 16 e sarà presentato l'Albo degli Scrittori e degli Artisti 2010 (Edizioni Artescrittura, la casa editrice di AutoriOnline), con presentazione di Deborah D'Agostino e Massimo Nardi nel quadro e nell'ambito della Giornata Mondiale del Libro e del Diritto d'Autore, promossa dalla Commissione italiana per l'Unesco.

La sera il programma continuerà al Caffè Letterario di Roma (Via Ostiense 95, ore 21.30), dove sarà inaugurata la Galleria "Il Cubo d'Arte" con la mostra fotografica personale "Essenzialmente" di Matteo Colla.

La serata sarà inoltre animata da videoperformance e letture poetiche nell'ambito della Giornata UNESCO.

"Sguardo sulla Realtà e Oltre è la celebrazione di un incontro, quello tra un centinaio di Opere d'arte contemporanea, a evocazione di altrettanti Autori. Protagonisti saranno dunque gli Artisti, impegnati a mettere in scena il loro presente espressivo con una sola opera realizzata. Sintesi come selezione, distillazione del messaggio individuale, mediato da grandi nomi e giovani altrettanto talentuosi, nell'eterogenea varietà di tecniche e linguaggi della comunicazione attuale. Dialogo tra individuale e globale, tra percorsi già tracciati e strade in divenire, l'Evento sarà emblema di discontinuità, non racconto, esemplificazione; l'intento è di riprodurre un frammento veritiero di arte contemporanea, colta nel preciso istante del suo caotico e contraddittorio divenire. Mediando l'astratta teoria con la viva materia della nostra sensibilità, la Mostra diviene una sorta di schema trascendentale per carpire tratti inattesi ma riconoscibili dello stato dell'arte di oggi; arte come comunicazione di Realtà, nella Realtà. Il visitatore potrà ancora sorprendersi entusiasmato per le impreviste libertà cui l'immaginazione viene ammessa, campi inesplorati da attraversare: la mente non potrà che cedere momentaneamente il passo, per riprendersi subito dopo, sollecitata da stimolanti evidenze.

Realtà, dunque, dell'arte e del mondo... e Oltre, a indagare le forme e i contenuti nascenti, per decodificarne le direzioni future, per assecondare le manifestazioni di creatività che, pur non salvando il mondo, certo possono renderlo migliore.

Non ci resta che attendere".

Elisa Govi

Per maggiori dettagli:

AutoriOnline .net
Caffè Letterario Roma

“VUOTI -pieni SILENZI -suoni”. Sculture di Debora Mondovì

2010-05-08T12:49:00.007+02:00

Questa mostra rappresenta un momento di sintesi del percorso artistico della scultrice Debora Mondovì, la cui ricerca ha sempre avuto uno stretto legame con la musicalità delle forme fino a giungere oggi alla completa fusione con il suono elettronico grazie alla stretta collaborazione con la compositrice Silvia Lanzalone.

Le sculture in terracotta in esposizione sono tutte realizzate con la tecnica a colombini, e la variazione cromatica è data dall’utilizzo di differenti argille talvolta ingobbiate. Questa tecnica, molto antica e da sempre utilizzata dall’artigiano, permette di creare forme vuote e aperte, in modo da creare un continuo dialogo tra lo spazio esterno e quello interno alla scultura, tra la presenza e l’assenza di materia.

Oltre alla terracotta Debora si è appassionata anche alla lavorazione del legno e della corda, materiale quest’ultimo che ha suscitato in lei un fascino particolare sia da un punto di vista estetico che di metodologia di lavoro. Ogni differente materiale rappresenta per l’artista anche una differente idea di tempo o ritmo della vita: così la pietra, inserita integra, simboleggia l’eternità del tempo che non porta i segni della nostra vita, ma quelli della vita; la creta invece indica il tempo che passa velocemente, le dita che plasmano l’argilla registrano ogni istante nel suo divenire; e infine la corda, che porta in se il movimento ripetitivo e costante della mano, un ritmo mantrico capace di educare all’attesa e alla riflessione.

La mostra, aperta da sabato 8 maggio a domenica 6 giugno, racchiude anche due momenti performativi, durante i quali la voce poetica di Simonetta Sterpetti si farà portavoce dell’incontro tra forma e suono; alla voce dell’interprete sarà quindi lasciato l’impervio compito di prendere per mano l’arte del suono e l’arte della forma per lasciarle poi andare all’unisono.

Il primo evento performativo in programma, previsto per sabato 8 maggio, avrà come protagonisti il suono del Kyotaku (flauto giapponese) suonato da Marco Cambon e la voce poetica di Simonetta Sterpetti che reciterà brani da lei scelti per l’occasione.

Il secondo, invece, è programmato per sabato 29 maggio e avrà ancora come protagonista la voce poetica di Simonetta Sterpetti in dialogo, questa volta, con una scultura sonora della Mondovì, la cui musica integrata è opera della compositrice Silvia Lanzalone. L’opera scultorea è stata progettata per risuonare a determinate frequenze dello spettro acustico e consiste di elementi cavi di diverse dimensioni entro cui i suoni vengono amplificati ed elaborati coerentemente alla conformazione e grandezza della cavità.

L’installazione sonora resterà in esposizione fino al termine della mostra.

Tutti gli autori dei due eventi, a un diverso livello, hanno in comune la capacità coltivata nel tempo di trasmigrare da una situazione all’altra: dal suono al silenzio, dal dentro al fuori… dal pieno al vuoto; da un tempo infinito a un istante.

Tra le opere, tre quadri di Robert Kilarski e alcune lampade artistiche dello studio maRAMEo.

[comunicato stampa a cura di Claudio Muolo]

Photos © Claudio Muolo_ PREVIEW EXHIBITION @ D+Arch

“VUOTI -pieni SILENZI -suoni”. Sculture di Debora Mondovì

dal 08-05 al 06-06-2010

a cura di CLAUDIO MUOLO

"Il Chiodo di Sermoneta"

Piazza del Popolo, 13

Sermoneta (LT)

tel. 347 4096112

barcla@email.it

"SUI GENERIS": un festival per le pari opportunità a Mantova.

2010-05-03T19:56:00.005+02:00

Oggi vi voglio presentare qualcosa di insolito per questo blog, un qualcosa che non si può pensare di accostare di primo acchito all’arte, all’architettura e al design. Ringrazio perciò anticipatamente D+Arch per la sua disponibilità a concedermi un po’ di questo suo bellissimo spazio.

Vi spiegherò i motivi per che mi hanno portato a proporre loro di mettere in risalto questo Festival.

Partiamo dal titolo: “SUI GENERIS per le pari opportunità in economia, politica e famiglia”. Per un blog attento ai temi del sociale e del femminile una cosa del genere poteva interessare, al di là della solidarietà, perché mette sul tavolo degli oratori un evento straordinario: lo spettacolo della vita di tutti i giorni. Chiama sul palco tutti gli attori coinvolti e li invita a mettersi in gioco per creare qualcosa di reale e costruttivo.

Continuo, sottolineando che non ho usato la parola attori a caso perché il tutto sarà accompagnato da performance teatrali studiate per essere pungenti e stimolanti per la discussione e il confronto. Per 3 giorni tra teatro, università, sedi di confederazioni sindacali, bar e piazze in cui si svolgeranno i vari eventi, ci si potrà muovere per la città su risciò trainati dai performer di Teatro Magro.

Un ultimo pensiero è andato alla crisi economica. L’economia, la politica e la famiglia nel nostro paese portano i baffi. Per avere possibilità di una carriera la donna deve dimostrare, molte volte, di essere un “vero uomo”, rinunciando a ciò che maggiormente la caratterizza: se stessa. Cosa c’entra con la crisi? Un’Italia più aperta verso il genere femminile, in tutti i campi, può risollevare le sorti della nostra economia e del nostro, disastroso, PIL.

Ora vale la pena nominare l’arte perché essa svolge, come anticipatrice di questo modo di fare, una parte da prim’attrice. Molte aziende che promuovono design e innovazione sono condotte da donne o hanno affidato a donne i loro progetti.

Se vi interessa conoscere quale marcia in più hanno le donne venite a Mantova il 6-7-8-maggio 2010.

A.M. Bonora

http://www.suigeneris-mantova.it/

INGO MAURER. "Hoi polloi – This, that and the others "@Spazio Krizia

2010-04-23T18:30:00.007+02:00

"Hoi polloi – This, that and the others", questo è il titolo dell'evento "fuori salone" dedicato ad Ingo Maurer ed ospitato - come da tradizione ormai - nello Spazio Krizia.

"Woonderlux", la sua ultima creazione, rende omaggio alla tradizione della lampadina: a prima vista sembra una classica lampadina a incandescenza ma, a una più attenta osservazione, si nota che in realtà la sorgente luminosa è un LED, nascosta nel bulbo di vetro che in realtà è vuoto! Così Woonderlux emana una luce misteriosa.
Disponibile a 12 e 24 volt, è allo studio una versione ad alto voltaggio, per poterla installare su un normale portalampada E27, senza trasformatore.

D+Arch, nella serata d'inaugurazione, ha scambiato due chiacchere con l'"artista-designer".

D+Arch: Cosa consiglia ai giovani designer sconosciuti?
I.M.: Siate inusuali, abbiate il coraggio di osare e votate in modo significativo!
D+Arch: Ogni anno non manca all'appuntamento con la settimana milanese, porta sempre una sua novità nello Spazio Krizia. Perche qui?
I.M.: Perchè Krizia è un'amica e mi mette a disposizione il suo spazio, c'è da sempre una profonda e reciproca stima, qui mi sento in una dimensione più familiare!
D+Arch: Cosa pensa della crisi economica italiana?
I.M.: l'Italia non è un paese difficile perché qui c'è mercato!
D+Arch: Cosa pensa della Milan Design Week abituato a fiere più internazionali come Francoforte e New York?
I.M.: Milano è importante tanto quanto Francoforte e New York!

Photos © D+Arch_Spazio Krizia, opening 14-04-2010.

"Hoi Polloi" is the name of Ingo Maurer's exhibition during the 2010 Milan design week.
As every year Spazio Krizia hosted the most recent works of this famous German designer whose creative process can be well represented by his slogan:
"New Days, New Lights, New Thinking".

WonderluLux is a low-voltage Led bulb. At first glance it looks like a like a classic incandescent lamp, but the fine glass bulb is empty: the LED light source is hidden inside the socket.
Woonderlux can be made in various versions, for 12 or 24 volts. A high-voltage version is currently in the planning phase. In that case the bulb will be screwed into a traditional E27 socket, without requiring a transformer.
All Ingo Maurer career is related with a light bulb. In 1966, his first work, Bulb shot him straight into the Museum of Modern Art's collection. At present, Ingo Maurer is fighting for the light bulb's survival with a war-cry of "Protect yourself from stupid rules, use the Euro Condom!"
He has created the Euro Condom (presented last year) especially for this : it is made of heat-resistant silicon, so that a clear light bulb can be turned into a pearl one instantly.
His new creations ,Woonderlux and Hoi Polloi are again fine bulbs.

During a famous interview he says . " .... "And we're being forced to accept the compact fluorescent lamp as a substitute […]. We recommend protest against the ban, civil disobedience […]." So the question asked in the wonderful name for a lamp "Wo bist du, Edison …?" (Edison, where are you …?) (1997) could now read "Wo bleibst du, Edison ..?" (Edison, where have you gone …?).

"Hoi Polloi" expresses the Ingo Maurer's love for the light bulb. It's not just new low-voltage Led system, but a suspended locus where thread,socket and glass dance as climbers on the rope.

Spazio Krizia presented too an interesting work, “Robotzki”, by Benedikt Achatz. “Robotzki” uses technology and precision mechanics to reproduce the functional principles and articulations of the human arm. The led lamp is controlled electronically using five motors, several programmable microcontroller modules and a software interface that remains open to future additional input-output devices (e.g. sensors and light regulators).
Ingo Maurer says about this lamp: " the result is a fresh and provocative reinterpretation of a classic icon: the task lamp. ...the fusion of science, artistry, craftsmanship, materials and aesthetic visions".

Finally Ingo Maurer answered to some D+Arch's questions.

D+Arch: Any advice for unknown young designers?
I.M.: Three things
1) vote in a good and meaning way
2) be unusual
3) be courageous to risk
D+Arch: Why every year you don't miss MILAN DESIGN WEEK?
I.M.: Because Krizia is a friend and she's very generous to give me this great space where there is a "family dimension".
D+Arch: What do you think about the Italian economic crisis?
I.M: Italy is not a difficult country . Here is the market.
D+Arch: And what about Milan Design Week?
I.M.: That's really an important event as that of New York and Frankfurt.

Spazio Krizia

via Manin, 21

20121 Milano

"70 m2". Uno spazio per le idee a Livorno.

2010-04-13T12:36:00.004+02:00

A Livorno, in via Poggiali n. 10, c’è uno studio di architettura che ha messo a disposizione un’area espositiva, “70 m2” - dalla sua dimensione - per chi vuole un’opportunità per farsi conoscere, con eventi “temporanei e contemporanei”.
“70 m2” è un’iniziativa degli architetti Lucia Posarelli, Marta Righeschi e Marco Lulli, che circa un anno fa hanno deciso di aprire il loro studio a questa nuova attività, dedicando uno spazio ad ogni genere di "apporto creativo".

Lo spazio ospiterà mostre temporanee di giovani artisti, artigiani, art designer, architetti, ecc, il cui filo conduttore è “la ricerca creativa che deve essere alla base di ogni progetto”. Sono allestimenti o eventi brevi, personali o collettive, racconti o incontri proposti a coloro che “trovano stimolo nella creatività e sono aperti a contaminazioni” e, allo stesso tempo, permettono allo studio d’innescare un circuito culturale su ciò che l’appassiona.

È una vetrina e un’ottima occasione per la diffusione e lo scambio d’idee tra la città di Livorno e realtà diverse, per luoghi e cultura.
L’obiettivo di “70 m2” è di mostrare “il lavoro di un artista, le potenzialità di un materiale”, far conoscere le novità, stimolare il talento e incoraggiare chi ha un’idea ma non lo spazio per presentarla.
L’ambiente è volutamente neutro per dare la possibilità a chi espone di personalizzarlo con le proprie creazioni o performance.

Il celebre aforisma di William Burroughs, “La cosa più pericolosa da fare è rimanere immobili”, è stato adottato dallo studio per esprime il proprio concept, perché come gli stessi soci dichiarano:
“Crediamo che la creatività sia qualcosa di dinamico, che si origina nella mente di un artista, prende forma in una sua creazione ed innesca in chi vi si ritrova davanti nuovi spunti di riflessione. Ci piace pensare che le persone, le idee, le opere ed i progetti che passeranno dal nostro spazio possano lasciare delle tracce nelle menti dei visitatori che hanno voglia di essere contaminate da tutto ciò che è originale e creativo. “70 m2” si rivolge a chi cerca lo scambio, a chi crede che il confronto sia la base di partenza per la crescita, a chi vuole condividere un’idea e trova nel lavoro di un collega lo stimolo per la riflessione, a chi, come noi, desidera aprire le porte a tutti coloro che hanno qualcosa da dire”.

“70m2” è stato inaugurato il 13 novembre 2009, ospitando ben 18 designers-artisti selezionati tra quelli disposti a partecipare ad esposizioni collettive o personali previste per il 2010.

A dicembre lo studio ha presentato ufficialmente il programma: a febbraio, "da materia a gioiello" collettiva di artisti-designers capaci di trasformare i materiali più vari in insoliti gioielli; ad aprile, Caterina Crepax con le sue seducenti creazioni di carta; a maggio, Costanza Algranti con i suoi pezzi realizzati con materiali vissuti, modificati dal tempo e dagli agenti atmosferici; in autunno, Paolo Ulian con la sua interessante serie di prodotti industriali, e "second life" , con un nutrito gruppo di designers che si dedicano al tema del "riciclo creativo".

Images © Studio 70m2

"De bustibus" è il titolo dell’evento in corso nel quale l’artista Caterina Crepax espone, come unica tappa in toscana, la sua nuova "fatica".

Invito "De bustibus" - L. Nikolova su busto di C. Crepax © Studio 70 m2

“Caterina Crepax, artista nel plasmare la carta in abiti e oggetti d’arte di insolita bellezza, si ispira alla diffusissima locuzione latina che rivendica a ciascuno le proprie scelte e il piacere di spaziare tra forme, fantasia, proposte. In questa nuova mostra Caterina Crepax allestisce uno scenario suggestivo nel quale dodici inediti dei suoi ormai notissimi “busti” si illuminano di sapienti effetti di luci e colori, si raccontano in giochi di parole, si impreziosiscono di gioielli realizzati a mano in esclusiva con metalli, pietre, materiali, a sottolineare la bellezza di scegliere e di rappresentarsi, in un universo femminile infinitamente pieno di suggestioni. Insieme a Caterina Crepax, quattro artiste del gioiello, Nicoletta Cicalò (che firma con Caterina le "storie" narrate all'interno dei busti) , Claudia Gramegna, Elisabetta Nava e Lora Nikolova , hanno interpretato “a loro Busto” i temi proposti , realizzando ciascuna tre gioielli ideati e realizzati a mano in esclusiva per completare il racconto creato dall’Artista attraverso la Natura e i suoi Elementi, ironicamente protagonisti delle nuove opere presentate. Poesia e ironia, profondità e leggerezza, luci e ombre si rincorrono trasportando i visitatori in una dimensione un po' sognante attraverso dodici magiche storie .... a ciascuno la sua”. [dal comunicato stampa dello Studio 70m2]

La mostra è stata inaugurata lo scorso sabato 10 aprile e ha visto la partecipazione delle artiste.

Per la giornata conclusiva, prevista per il 24 aprile, Caterina Crepax sarà nuovamente presente per un incontro-colloquio con chi è interessato a conoscere la sua storia.

Studio di Architettura 70m2

Via Poggiali, 10
57125 Livorno

ww.70m2.it

http://www.facebook.com/pages/Livorno-Italy/70m2/189063258660?ref=ts

ROSS LOVEGROVE: un "biologo evoluzionista" dal design essenziale ed organico!

2010-04-10T09:35:00.011+02:00

Ross Lovegrove più che un designer si considera un "biologo evoluzionista" , ispirato alle leggi del riduzionismo di forme, materiali e dimensioni; il suo design è fuori dal comune, sostenibile, etico ed altamente sperimentale.

La sua ricerca valica i confini tra scienza, tecnologia, design e architettura, e lo porta a produrre, con un segno originale, oggetti primitivi e futuristici allo stesso tempo, sensuali e seducenti.

Il suo metodo progettuale è darwiniano: "Sono convinto che lo scopo del design sia migliorare la vita dell'uomo. Nella mia ricerca mi ispiro alla natura dove nulla è casuale e niente e superfluo, tutto avviene per una precisa ragione...sobrietà ed eleganza di forme, minimo impiego di materiali e perfetta funzionalità".

Il suo linguaggio è il prodotto del "pensiero concettuale", non un prodotto del processo di progettazione, un approccio più scientifico e sperimentale per generare nuove idee. Dietro ogni sua creazione c'è un impegno di ricerca e di una metodologia globale. Ciò che da sempre lo affascina di più è stata l'idea di mappatura di una transizione o di uno stato di cambiamento, e come tutto questo sia molto importante per il design e l'architettura.

Il concetto di "essenzialismo organico" o "essenzialismo biologico", in termini semplici, è l'intelligente “economia evolutiva” della forma in sintonia con ciò che è necessario e niente di più.

In altre parole, non è interessato a far qualcosa di più di quello che è, in definitiva, essenziale.

Crede che lo studio della terra, dell'evoluzione e del tempo, lo porterà a generare una forma organica e biologica che si svilupperà quando si creerà la necessità.

Questo è ciò che la natura fa e questo è il modo in cui progetta!

Del suo lavoro dice:

“I don't know what design is anymore, I create form … I understand form and I'm enjoying the digital age to create it. I'm hoping to push that even further… I feel comfortable in this organic, isomorphic, anthropomorphic, liquid age of making things, but I try not to force it into things that don't need it.”

Durante la Milan Design Week 09, Ross Lovegrove, ha presentato per Artemide due novità: "Cosmic Angel" e "Cosmic leaf" family, apparecchi luminosi dalle forme organiche che fondono tecnologia, materialità e scultura.

Dice di loro:

"COSMIC ANGEL, deriva dalla mia ricerca continua sulle forme liquide, sugli algoritmi digitali e sul processo contemporaneo di produzione e creazione direttamente dal software...Sono partito dall’idea di congelare un istante che sembra creato dall’aria che scorre su una lamina sottile, ottenendo un flusso e un ritmo molto naturali nel leggero rivestimento scultoreo. Il risultato finale è che l’apparecchio sembra sospeso contro la legge di gravità, su un cuscino d’aria… come il cosmo nelle forme e geometrie complesse che sembrano sfidare ogni spiegazione e creare un senso di infinito… COSMIC LEAF, si presenta come una foglia digitale proveniente da un altro Mondo, ricoperta di squame come un rettile o un insetto che raccoglie luce e ombra sul suo corpo per sedurre la compagna.”

Photos © D+Arch

Artemide Showroom

corso Monforte 19, Milano

SALONE DEL MOBILE & MILANO DESIGN WEEK 2010!

2010-04-09T12:31:00.008+02:00

Milano design week
13 -19 aprile 2009

49° Salone Internazionale del Mobile
Fiera Milano - Rho, 14 - 19 Aprile 2010

orari 9:30 - 18:30.

Apertura al pubblico solo Domenica 18 Aprile.

Come ogni anno in aprile – dal 14 al 19 – nel quartiere fieristico di Rho ritornano i Saloni, conclamati protagonisti internazionali del settore arredo-casa, con le biennali dedicate alla Cucina e al Bagno. E come sempre i Saloni ampliano la propria offerta commerciale con quella culturale, quest’anno particolarmente ricca di eventi disseminati per tutta Milano, a partire dal mese di marzo fino a maggio.

Anche quest’anno i Saloni ritornano come annuncia la campagna pubblicitaria “The Event is back”, non mancano all’appuntamento di primavera dedicato a tutti coloro che fanno dell’arredo la loro professione.

Eccezionale anche la quantità di eventi collaterali del Fuori Salone che quest’anno affiancano le manifestazioni fieristiche e dedicate a Milano. Ben quattro le mostre, incentrate sulla produzione di arredi e complementi, sulla cucina, il bagno e il progetto allestite in otto importanti istituzioni milanesi: dalle storiche Villa Reale e Pinacoteca di Brera alle ottocentesche Case Museo Poldi Pezzoli e Bagatti Valsecchi, dal Planetario donato alla città da Ulrico Hoepli nel 1929 e progettato da Piero Portaluppi come la palazzina di via Jan di Casa Boschi Di Stefano e Villa Necchi Campiglio, gioiello urbano degli anni Trenta, alla contemporanea Triennale Bovisa.

• “Ospiti inaspettati. Case di ieri, Design di oggi”.

11 marzo-2 maggio

Museo Poldi Pezzoli, Museo Bagatti Valsecchi, Casa Museo Boschi Di Stefano, Villa Necchi Campiglio

A cura di Beppe Finessi e immagine di Italo Lupi, la mostra organizzata da Case Museo di Milano con Cosmit intende portare il design contemporaneo all’interno delle quattro “Case Museo” – in modo da far dialogare i segni del nostro tempo insieme a quelli di epoche trascorse, indagando la possibilità di far convivere i progetti di oggi con quelli di ieri in un insieme naturalmente sorprendente.

• “Tutti a tavola!

14 aprile-9 maggio

Villa Reale, Via Palestro

A cura di Franco Laera, un viaggio nel mondo dello “stare a tavola”, disarticolato e celebrato nei suoi diversi momenti attraverso i suoi luoghi e i suoi strumenti quali ad esempio: la preparazione del cibo/la cucina; la preparazione della tavola/l’arredo e l’addobbo; la casa/il pasto quotidiano; le occasioni speciali/il banchetto; il ristorante/la cena conviviale e così via.

• “Un bagno di stelle”.

14 aprile-19 aprile

Civico Planetario Ulrico Hoepli, Giardini Pubblici

Un invito a riscoprire la stanza da bagno quale luogo di benessere e armonia attraverso l’immagine della bellezza del corpo femminile e del cielo stellato. A cura di Francesca Molteni.

• “La mano del designer“.

10 aprile-9 maggio

Villa Necchi Campiglio e Triennale Bovisa

Ricalcando il format di successo dell’edizione precedente dello scorso anno, l’iniziativa – con il sostegno di Cosmit e Fondazione Cosmit Eventi – è dedicata ai disegni e agli schizzi autografi donati da designer di tutto il mondo al FAI - Fondo Ambiente Italiano.I 450 disegni esposti saranno la base di un’asta di raccolta fondi e di vendite dirette a favore del restauro e della manutenzione di Villa Necchi Campiglio a Milano e per avviare l’attività del negozio Olivetti di Venezia, realizzato da Carlo Scarpa fra il 1957 e il 1958.

Le manifestazioni fieristiche da un lato e gli eventi collaterali dall’altro formano un vero e proprio “insediamento”, una “concentrazione” di cultura e di progetto, una vera e propria città, per l’appunto “La Città dei Saloni”.

Nel quartiere Fiera Milano di Rho dal 14 al 19 aprile si svolgerà la 49a edizione del Salone Internazionale del Mobile con Eurocucina / Salone Internazionale dei Mobili per Cucina e la sua proposta collaterale FTK (Technology for the Kitchen), il Salone Internazionale del Bagno, il Salone Internazionale del Complemento d’Arredo e il SaloneSatellite.

Il SaloneSatellite si rinnova quest’anno per creare contatti mirati tra i giovani designer e le aziende espositrici. Ai partecipanti viene chiesto di presentare, in aggiunta ai loro prototipi, uno o più progetti attinenti alle merceologie delle manifestazioni biennali, la Cucina e il Bagno.

Un Concorso premierà i 3 prodotti migliori per ciascuno dei 2 settori rappresentati.

Nuovo sarà anche il concept dell’allestimento affidato a 5 giovani architetti/designer, ex partecipanti del SaloneSatellite, sempre sotto la supervisione di Ricardo Bello Dias.

[Fonte: comunicato stampa COSMIT]

Novità anche dalla specialissima Zona Tortona, eletta di fatto negli ultimi anni il cuore pulsante del FuoriSalone.

Quest’anno, agli eventi già presenti delle passate edizioni come That’s Design! (che offre visibilità ai giovani designer indipendenti) e Surfacin’ – Materials Innovation, (il progetto dedicato totalmente ai materiali e alla loro innovazione), si uniscono:

ZonaTortona talent scout, un programma che vede coinvolte notevoli professionalità internazionali nella promozione del talento nel design;

Creative Shop progettato da un giovane designer emergente interamente brandizzato Zona Tortona;

“The ﬁrst design movie”, il primo film dedicato al design girato durante l’edizione 2009.

Ulteriore novità di quest'anno è il nuovo progetto Brera Design District 2010!

Si candida come il diretto concorrente della Zona Tortona per il miglior circuito di design milanese pre-post Salone!

Casa Camper

2010-03-24T19:43:00.000+01:00

Nel cuore di Barcellona, nello storico quartiere di El Raval - il più cosmopolita e multirazziale - c’è un hotel unico: “Casa Camper”!

Il suo manifesto:

“Cammina. Non correre / Siamo quello che mangiamo / gioca di più / salta / esprimi te stesso/ immagina di più / divertiti di più / scarpa comoda, casa semplice, cibo sano / avere una mente aperta / l'ispirazione ti coglie sul lavoro”.

Aperto nel 2005 da Camper, la nota casa di scarpe, questo concept hotel porta lo spirito del “camper” – che significa “contadino” in catalano - e i suoi valori, nel mondo del turismo con un’idea innovativa: unire un elevato livello di funzionalità ad un’immagine familiare.

La sua filosofia?

Il lusso è nella cultura della semplicità, della discrezione, dell'autenticità e della vita sana. In definitiva un modo più semplice, umano e più rispettoso di rapportarsi con il mondo.

Lo scopo è di far sentire il cliente a casa propria, con l’opportunità di lavorare o rilassarsi. "Abbiamo scelto il nome di Casa Camper perché l'idea è che gli ospiti utilizzino l'hotel nello stesso modo in cui utilizzano casa loro ", spiega Fernando Amat (rinomato design di interni spagnolo) che ha reso ogni camera tanto funzionale quanto funky.

Casa Camper si trova in una zona straordinaria, a pochi passi dal famoso mercato alimentare della Boqueria, dal Gran Teatro del Liceu e dal Barrio Gotico, che comprende la cattedrale della città. Fra le vivaci Ramblas, il MACBA (Museo di Arte Contemporanea di Barcellona) e il CCCB (Centro contemporaneo della cultura di Barcellona), a cinque minuti a piedi da Plaça Catalunya, il centro di Barcellona.

Ricavata in un edificio del XIX secolo costruito dall'architetto Jordi Tió e progettato da Ferran Amat de Vinçon, Casa Camper - accanto al suo negozio di scarpe di lusso e nello stesso edificio del Camper FoodBall (il “ristorante-concettuale”) – con le sue 25 camere distribuite su cinque piani in cui ogni sistemazione, offre due spazi unici: uno per dormire e un soggiorno-studio attrezzato (WiFi, Bluetooth e Tv interattiva) per riposare o per lavorare in un'atmosfera confortevole.

El Raval, mix di vecchi negozi d’angolo e i nuovi ristoranti, migliaia di passanti e del MACBA, può apparire non esattamente rurale ma Casa Camper emana un’atmosfera rigenerante per hip urban nomads, un ritiro dal trambusto della città e del vicinato, che inizia con le biciclette appese al soffitto dell’entrata. Con una puleggia possono essere abbassate e montate liberamente in giro per la città.

Entrando, l’hall dell’ingresso è decorata con contrasti di pop art e un’antica credenza. Sul retro della lobby, simile a una caffetteria di lusso, un buffet aperto 24 ore su 24, che offre tentenpié ("merenda" in spagnolo). Qui gli ospiti possono rilassarsi e ricaricarsi mentre guardano le fotografie di Hannah Collins, che immortalano gli edifici distintivi del quartiere che muta rapidamente.

Al piano di sopra, nei corridoi senza tappeto, si trovano le camere “sdoppiate”.

Nella zona notte, sotto lo slogan “Shaker inspiration”, una stradina corre lungo la parete per appendere su di essa cose molto divertenti come una piccola scala o una lampada portatile.

Per la comodità degli ospiti, nell’armadio a vista sono a disposizione un paio di wabis, le autentiche pantofole del brand Camper!

I bagni offrono una vista su un lussureggiante "giardino verticale" (creato con vasi di aspidistra) che isola completamente dal cortile e rende l’atmosfera rilassante, assolvendo strategicamente la doppia funzione bioclimatica e di cortina visiva. C'è di più: l’acqua del rubinetto utilizzata nel lavandino è riutilizzata nel wc, e per motivi altrettanto ecologici, è vietato fumare come in tutto il resto dell'hotel.

Di fronte, nel lato opposto del corridoio, la zona living apre la sua finestra sulla calle Elisabets con un'amaca tropicale, che sembra “spingerti” con entusiasmo nella città; ed appesa su un’altra parete una mappa di Barcellona, illustrata da America Sanchez.

La mattina, sul tetto del Camper, si può osservare in incognito il profilo moderno del MACBA, un tratto delle Ramblas e il focolaio multiculturale che dà vita e colore al quartiere di Raval.

Camper ha rilanciato il format aprendo a Berlino nel 2008.

A Casa Camper tutto è divertente e spiritoso. I velocipedi di legno da prendere in prestito, le ciabatte di gomma nelle quali rilassarsi e gli spuntini tutti i giorni...tutto contribuisce a renderlo un ottimo posto in cui soggiornare.
Insomma, se vi trovate a Barcellona o a Berlino, due delle città europee più creative, mettete alla prova Casa-Camper!!!

http://www.casacamper.com/

Una cartolina da ... ALTROVE!

2010-02-22T13:35:00.001+01:00

"NO ACCESS" - ©D+arch

"Wireblooms" - A tale of cables

2010-01-31T12:49:00.006+01:00

Avete anche voi gli odiosi cavi che invadono i vostri ambienti domestici e di lavoro?
Sono brutti, ingombranti, antiestetici e rovivanono il vostro interior landscape?
Non siamo in un mondo totalmente wireless, quindi dobbiamo gestirli ...

Un'idea cool arriva dal designer israeliano Laliv Shalev: “Wireblooms”, nail-clips per mantenere i cavi alle pareti in maniera originale e divertente! Per adesso il kit in vendita comprende solo foglie e uccello, ma sarebbe un successo se i soggetti rappresentati prendessero spunto da temi e personaggi diversi...un po' come negli stickers!!

Immaginate le vostre pareti personalizzate da nail-clips e wall-stickers a tema...divertente, no?

Photo ©Israeli Design Center _ Laliv Shalev - "A tale of cables"

Do you have hateful cables that invade your home and work environments?

Are they so ugly and bulky and so unesthetic to completely ruin your interior landscape ?

Until we are in a completely wireless world we have to manage them.

A cool idea by the Israeli designer Laliv Shalev is “Wireblooms”.

Wireblooms are nail-clips to attach the cables to the wall in an original and amusing way.

For now the kit for sale includes only a pretty little bird and three green leaves but it would be a success if the subjects represented were inspired by different themes and characters … in some way like stickers!!!

Immagine your walls personalized by nail-clips e wall-stickers.

How visual and artistic impact it could be !!!

That’s really a cool idea to change your style…

PIGMENTI – PRIMA FESTA DI ARTE E ARCHITETTURA SOSTENIBILE AL PIGNETO

2010-01-23T12:21:00.016+01:00

MOSTRA PIGMENTI PIGNETO: PROPOSTE DI TRASFORMAZIONI URBANE, ARCHITETTURE SOSTENIBILI, RIQUALIFICAZIONE EDILIZIA E AMBIENTALE E CONCERTAZIONE SOCIALE.

"Prosegue fino al 28 gennaio la mostra PIGMENTI, allestita nello spazio espositivo della Casa dell’Architettura, per presentare progetti di rinnovamento energetico e architettonico di edifici esistenti e progetti di riqualificazione a basso impatto ambientale degli spazi urbani.
La mostra promossa dall'Ordine degli Architetti di Roma e dal VI Municipio di Roma è ideata e curata da Lab(e)s e OFFicinafortebraccio in collaborazione con IN/ARCH e si avvale del contributo di Merck Serono e Fase Engineering.
Si tratta di una rassegna di architetture sostenibili e di ricerche sul tessuto urbano, realizzate da cinquantuno architetti e ingegneri di tutta Italia, nell’ambito del Master In/Arch "Progettista di Architetture Sostenibili" diretto dall’architetto Enrico Di Munno.
Le innovative e concrete proposte sono state pensate per il quartiere Pigneto (al Prenestino in Roma), individuato come luogo di sperimentazione ideale per il tema proposto dal Master.
Tutti i progetti nascono dall’analisi di esigenze e bisogni dei residenti, considerati in relazione alla cellula abitativa e al sistema quartiere e sono il prodotto di un attento studio sulla potenziale flessibilità del territorio.
Realizzata con lo scopo di comunicare l’architettura in modo nuovo e più diretto, PIGMENTI è stata esposta in anteprima a giugno scorso, nelle strade del quartiere.

Gli architetti hanno portato i loro disegni, rendering e prospetti proprio nei luoghi degli interventi, accanto agli edifici e alle piazze esaminati.
Con questo insolito allestimento metropolitano, leggero, smontabile, riconfigurabile e completamente riciclabile, fatto di pannelli di cartone alveolare ad incastro, gli autori dei progetti hanno spiegato agli abitanti come l'autosufficienza energetica si può ottenere anche in quartieri consolidati quali il Pigneto e che è possibile riqualificare edifici storici esistenti, rinnovandoli, senza cancellare l'identità dei luoghi, adattandone la destinazione d’uso a nuove tecnologie e creando nuovi spazi, in un processo architettonico dinamico e consequenziale.
Di fatto la mostra apre anche ai cittadini il dialogo sulle trasformazioni urbane, troppo spesso riservato a professionisti, tecnici, addetti ai lavori e amministratori locali.
Grande interesse ha suscitato il progetto 'Pigneto2030 quartiere impatto zero' a cura di Lab(e)s e OfficinaFortebraccio, esposto al centro dell’ isola pedonale, centro nevralgico del quartiere, da cui si sviluppa un "percorso sostenibile” fruibile grazie a mappe e segnaletica specifica.
Durante la mostra saranno resi noti gli esiti del CONCORSO PONTéPIGNETO, bandito a giugno dagli organizzatori, al quale hanno partecipato numerosi giovani professionisti da tutta Italia.
L'esperienza di PIGMENTI, i progetti e le ricerche condotte sul quartiere Pigneto saranno pubblicate nel libro 1:1 Disegno dal vero - Sostenibilità urbana nel quartiere Pigneto di Roma (a cura di Valentina Temporin, casa editrice Il Poligrafo). Testo che raccoglie le ricerche sull'urbano di Labes/OFFcinafortebraccio, tutti i progetti del premio IN/ARCH per le edizioni incentrate sul Pigneto, gli esiti del concorso e anche il racconto di come è nata l'idea di PIGMENTI: un modo innovativo di raccontare l'architettura".

Estratto dal comunicato stampa dell'Ordine degli Architetti di Roma pubblicato su Archiworld Network.

Casa dell'Architettura - Acquario Romano,

Via Manfredo Fanti 47,

Roma
17-28 gennaio 2010

Info:

www.inarch.it

www.casadellarchitettura.it

www.pigmenti.wordpress.com

Moving Pop Art

2010-01-21T11:16:00.015+01:00

moving
pop art
Sometimes something strange moves around in Milan.
When they move and stop they play.

I don't know if that's Art.

Surely that's Music !!

Photo © Roberta Rutigliano

IMM Cologne 2010 - Trends and Innovations in Design!

2010-01-16T13:40:00.012+01:00

Imm Cologne, il primo Salone Internazionale del Mobile e del Design dell’anno, presenta i mondi abitativi del domani dal 19 al 24 gennaio 2010.
Attraverso l'organizzazione di eventi speciali sulle tendenze attuali del design, la manifestazione offre anche nel 2010 un ottimo programma relativo al futuro della vita. L'ampia gamma di offerta è combinata con elevati standard di qualità e l'eccellente presentazione del prodotti.

Per una settimana Imm Cologne insieme Passagen 2010 - Interior Design Week Köln, un nutrito palinsesto di eventi fuori salone sparsi in tutta la città, faranno di Colonia il centro della cultura internazionale dell’abitare e del design.

Un evento globale che coinvolge designer affermati e giovani esordienti, architettura d’interni e comunicazione, marchi classici e giovani network, comfort e lifestyle.
Imm Cologne propone per la quinta volta D³ design talents, un’efficace piattaforma per giovani e creativi designer presenti con nuove idee e nuovi concept. Composto da tre sezioni D³ Contest, D³ Schools e D³ Professionals, l'evento è convincente, dimostrando che ogni anno le sorprese sono ancora possibili e che non vi è mancanza di idee fresche e nuove.

©Photo: Koelnmesse - Colonia imm cologne

Nel 2010 la scena del design sarà dominato da tendenze contrastanti: la sperimentazione, da un lato e la durata e la qualità, dall'altro.

"Inganno", "Comfort Zone", "Rehab" e "Discipline" sono gli sviluppi più importanti per il settore interior design 2010.

L’occasione della kermesse è un’ottima scusa per visitare la metropoli renana, i suoi musei le sue gallerie d’arte, l’area dell’antico porto (oggi nuovo quartiere residenziale e d’affari) e il Duomo (Patrimonio Unesco), la parte moderna e cosmopolita, la cui cultura è una miscela affascinante!

imm cologne

19. - 24.01.2010

www.imm-cologne.com

Imm Cologne - The place for experiencing home interiors.

From 19 to 24 January 2010 Cologne will again be theatre one of the most important international events in the field of furniture.

Indeed back imm cologne, the International Furnishing Show!

The first exhibition of the furniture of the year.

As a very business-oriented, engine event of future trend barometer and center of creative ideas, innovations imm cologne becomes Cologne capital world of design, each year in January.

Countless events related to the living and the furniture are indeed held during the Cologne Design Week.

For six days in Cologne everything revolves around design: brands here meet the young illustrators, born trend and innovative ideas, future visions become successful products, forge relationships and exchange ideas.

Product groups in 2010

basic
[d³] design talents
prime
comfort
smart
sleep
pure
pure village
Specialised product ranges
BMWi joint stand

IED Barcelona exhibits Doble Mirada

2009-12-31T14:20:00.001+01:00

Doble Mirada (‘Double Take’) takes a modern-day look at the city of Barcelona.
Doble Mirada offers a double reading or twofold interpretation of the present and future of Barcelona, through MADinBCN and Marca Barcelona.
It was designed by IED Barcelona students from all over the world specialising in Visual Arts, Communication and Design as a final-year project in collaboration with Barcelona City Council.

The aim is to describe the city through light-hearted yet visionary stories. It reveals the city’s hidden secrets and includes creatively crafted communication aspects to grab the attention of peopleworldwide and presents Barcelona as a unique, dynamic city tightly linked to innovation.

Images by IED Barcelona

Location: Sala Ciutat, C/Ciutat 2, Barcelona
Monday to Saturday from 3 pm to 8 pm, Sunday and bank holidays 10 am 14 pm

iedbarcelona.es

UN BIJOU D’ARTE!

2009-12-31T01:08:00.002+01:00

A Sermoneta è stato inaugurato il "Primo Festival del Bijoux e del Candeliere Artistico", una mostra insolita e interessante di oggetti e monili realizzati con tecniche e materiali diversi, a metà strada tra arte e artigianato.
Allestita presso "Il Chiodo di Sermoneta", spazio d'arte di Sermoneta, è aperta al pubblico fino al 10 gennaio 2010.
Artiste e designer espongono le loro creazioni realizzate sia con materiali tradizionali che con materiali inusuali e di recupero: dall’argento alle resine, dalla ceramica alle plastiche, dall’alluminio alle stoffe, dal vetro alla carta, rielaborati per creare piccoli capolavori e microsculture uniche da indossare.
La mostra ha lo scopo di mettere in evidenza come, al di là del valore materico, la qualità del bijou è data dall’insieme di ricerca, sperimentazione, tecnica, espressività e capacità creativa.
Come i monili realizzati con materiali di recupero, diversissimi tra loro, dell´artista olandese Lucia B. M. Hesselink, che crede profondamente nella sperimentazione e nel cambiamento continuo, o le collane create con scarti di gomma e camere d'aria di bicicletta di Lorena Giuffrida, o ancora le "Moedas Vazadas" (letteralmente “monete traforate”) ovvero "arte sulle monete", eseguita con la tecnica del traforo che svuotando il fondo della moneta dà vita a gioielli eclettici e raffinati, o i monili di Maria Grazia Palmaccio ricavati da oggetti di uso quotidiano in metallo o da casse e ingranaggi d’orologio, o la designer moscovita Tatiana Lapteva , che nella sua collezione reinterpreta le tradizioni culturali della sua terra.

Photos by © D+Arch

curatore: Claudio Muolo

autori: Lucia B. M. Hesselink, Stefania Camilli, Alessandra Ciurlo, Clelia De Angelis, Mario De Luca, Maria Diana, Eugenìa, Lorena Giuffrida, Maria Grazia Palmaccio, Tatiana Lapteva, Barbara Longo, Dedora Mondovì, Carla Nico, Valentina Pietrosanti, Tommasina&Luigi Renzi, Maria Rossella Cosentino, Cristina Saggioro, Caterina Saggioro, Milena Stoeva, Elisabetta Tognetti, Moedas Vazadas, Ornella Vinti, Lusilla Voci.

dal 12.12.2009 al 10.01.2010

"Il Chiodo di Sermoneta"
Piazza del Popolo, 13
Sermoneta (LT)
tel. 347 4096112
barcla@email.it

Tetris Bricks raining down on Sidney streets.

2009-12-10T14:42:00.018+01:00

Via Abercrombie in Sydney is a tiny lane running between George and Pitt Streets just near Bond Street.

Usually you find there a good breakfast.

You can order Grinders coffee and share a fresh fruit and yoghurt (topped with fresh macadamia nuts) served in an enormous glass bowl.

But it can happen, while you are grabing a bite of your big special sandwich, that a Tetris Brick seems falling down on the walls ready to hit everyone who is walking there.

photo by Justin James

In that case you will be astonished by looking at these oversize, illuminated Tetris block sculptures floating over your head.
"Giant Tetris"(aka “One More Go One More Go”) was installed from 4Tth of October to the 31st of Jannuary 2009 and is actually part of an broader outdoor art exhibition called Live Lanes – By George!

photo by Justin James

The larger-than life installation was put together by the guys over at Gaffa Gallery, who clearly have fond memories of the classic brick-stacking puzzler.
The "Live Laneway" strategy is a project of revitalisation for the Sidney City Centre. “Live Laneways” includes a range of creative initiatives to encourage more activity, and recognise the cultural, artistic and historic significance of laneways.
Tetris is a famous video game where the player must sort a simultaneously random but predictable succession of cascading shapes in exchange for points and more time in the game.

photo by Justin James

Yet here, in Abercrombie Lane, pieces are planted without a definite order, neither there is something resembling a predictable game. The dynamics of game is lost. The street is really very tiny.
Did we really pay attention and enjoy this new City Tetris Game when we are hurriedly crossing the narrow corridors of Abercrombie Lane or when we are waiting in line for a sandwich? And if we do so how this can happen?
Could the forgotten interactive part of the game be improved in such tiny streets?
It is noteworthy that this is a significant initiative to focus the pubblic attention on the need of revitalizing the forgotten but alive laneways of our cities.
And we agree that the creative idea of developing a dynamic and interactive game is really a good starting point to do it.

Edward Hopper a Milano.

2009-11-29T22:03:00.137+01:00

Edward Hopper a Truro, Massachusetts, con la moglie giù sullo sfondo, 14 Agosto 1960.

Foto di Arnold Newman / Getty Images

“If you could say it in words, There’d no be reason to paint”.

In questo modo inizia il percorso della prima mostra dedicata ad Edward Hopper (1882-1967) in Italia, precisamente al Palazzo Reale di Milano fino al 31 Gennaio 2010, per poi spostarsi a Roma ed in seguito a Losanna.

Hopper è considerato dalla critica e dagli storici dell'arte il più grande pittore "realista americano" del secolo XX, un'etichetta che gli è sempre stata stretta.

Mentre mi trovavo in una libreria, sono stato immediatamente attratto dalla copertina del catalogo stampato in occasione di questo evento.
Sul volume campeggiava maestoso "Second Story Sunlight" (1960), quadro in cui è dipinta di sbieco la facciata di una casa con tetti spioventi e mura bianche, inondata da una luce piatta alla quale si abbandonano due donne sedute sulla balconata. La luce era l’aspetto che più di tutti mi aveva colpito, amplificava gli stati d’animo dei personaggi e con essi la percezione spaziale, restituendo un senso di attesa insodisfatta e di solitudine. Perciò, incuriosito e con la voglia di saperne di più, sono andato a visitare la mostra.
Nelle stanze del Palazzo Reale, ho avuto la conferma del grande interesse che Hopper nutriva per la luce. Tanto che è arrivato ad affermare: "Quello che volevo fare era dipingere la luce del sole sul lato di una casa ". L’attrazione per questo soggetto si sviluppò dopo i viaggi a Parigi durante i primi anni del 900. Nella capitale francese, piuttosto che frequentare studi e atelier di artisti famosi, vagò per la città cercando di trarre ispirazione dai luoghi e dalle atmosfere. Non rimase infatti influenzato tanto dalle avanguardie del momento quanto dai quadri degli Impressionisti. E’ possibile affermare che dopo i soggiorni parigini egli divenga "pittore della luce".

Gli stati d'animo e il senso di solitudine dell'uomo moderno - in particolare, della "middle class" americana, durante la depressione degli anni Trenta - sono gli elementi dominanti nella pittura Hopperiana. Spesso nei suoi quadri appaiono figure solitarie pervase dalla luce, che sembrano meditare su uno stato d'insoddisfazione, aspettando sfiduciosamente che accada un evento risolutore, come nel caso di "Morning Sun" (1952) e "A Woman in the Sun" (1961). Tele intense queste, che in più manifestano l’interesse dell’artista per le finestre, simbolo di un’estensione introspettiva, in cui il paesaggio ritratto al di fuori sembra il riflesso dell’interiorità dei personaggi. Osservando al di là delle finestre di Hopper, a volte, ho percepito evocazioni di atmosfere metafisiche alla De Chirico.

L'artista riesce anche a trasmettere profondamente il senso del non luogo; dove lo spazio non è vissuto, ma è semplicemente di passaggio e vi aleggia la percezione di un evento appena accaduto, sottolineando che la vita è già altrove, ad esempio in "The El Station" (1908).

La mostra nel suo insieme è estremamente curata e didatticamente ineccepibile. Ogni sala è corredata da ottime spiegazioni in italiano ed in inglese, che offrono una panoramica esauriente sulla vita artistica del pittore. Inoltre, è stata ospitata un’installazione di Gustav Deutsch, "Friday, 29th August 1952, 6 A.M., New York", che riproduce lo scenario di "Morning Sun".

Unica pecca, l'assenza di alcune opere fondamentali, una su tutte "Nighthawks" (1942).

Una mostra che tutti gli appassionati di arte non dovrebbero farsi sfuggire, per conoscere o approfondire la conoscenza di un artista che attraverso le sue opere ha restituito un'immagine tanto realistica quanto metafisica del suo tempo.

Andrea Bugliarello @ D+Arch.

Edward Hopper
MILANO, PALAZZO REALE 14 ottobre 2009 - 31 gennaio 2010
http://www.edwardhopper.it/

Second Story Sunlight, 1960.

© Whitney Museum of American Art, N.Y. Fotografia di Steven Sloman.

Morning Sun, 1952.

© Columbus Museum of Art, Ohio; acquisizione dal Fondo Howald, 1954.

A Woman in the Sun, 1961.

© Whitney Museum of American Art, New York.

La Stazione El, 1908.

Nighthawks, 1942.

Stephen Moor _ "Mondi paralleli"

2009-10-24T13:20:00.172+02:00

personale del pittore

Stephen Moor

"Mondi paralleli"

dipinti e ceramiche

nell'ambito della rassegna

"Arte al Chiodo 2009"

dal 24 ottobre al 29 novembre

"Il Chiodo di Sermoneta"
Piazza del Popolo, 13 - Sermoneta (LT)

a cura di Claudio Muolo
info:
barcla@email.it
3474096112

Comunicato stampa

"Per come lo conosco io, Stephen Moor non è uno di quegli artisti animati da un' attività creativa febbrile; la pittura, lo strumento che si è dato sin da ragazzo, lui la esercita solo ad intervalli; tra l'uno e l'altro depone gli attrezzi del mestiere e non ci pensa più, anche per lungo tempo. Quando gli abbiamo proposto di esporre nella rassegna "Arte al Chiodo", lui ha chiesto solo tempo, ha ripreso i pennelli e ritrovato intatto il gusto del gioco. A me piacciono soprattutto gli animali che pascolano nei suoi lavori; caricati come sono di una sottile vena ironica, in un mondo eccessivamente antropomorfizzato, diventano osservatori sfrattati, ma dotati di un funambolico punto di vista "superiore". Noi vorremmo che questa sua mostra, "Mondi paralleli", fosse un omaggio a tutte le realtà genuine che marginalmente continuano a sopravvivere alla distruzione. In particolare, proprio quest'anno che molti nostri cari amici hanno compiuto cinquant'anni, vorremmo dedicarla a quel retaggio infantile che si prolunga nella vita ordinaria dell'adulto, senza morire del tutto. Chi ci conosce sa che amiamo il mondo dell' infanzia; anzi, se questa rassegna dovesse avere un seguito, promettiamo di dare spazio anche ai bambini. Per questa volta, intanto, chiederemo ai visitatori, in particolare agli adulti, di partecipare a un gioco innocente: lasciarci un loro schizzo fatto sul momento, senza pretese, raffigurante un animale. Preferibilmente una mucca.

Sabato 24 ottobre, alle h. 18,00, ci sarà l’inaugurazione della mostra, con l’amichevole partecipazione di Eleonora Saggioro (attrice), Fabio Bussotti (attore e scrittore) e Alberto Bellandi (attore e coreografo)."

Claudio Muolo

Milano design-in-the-city: the product design is on the road!

2009-10-21T16:37:00.052+02:00

Milano dal 22 al 25 ottobre, a pochi mesi dalla kermesse di Milano Design Week, sarà protagonista di un nuovo evento interamente dedicato al product design e agli amanti del design: Milano design-in-the-city.
Una manifestazione BtoC, all’opposto di quella BtoB della settimana del design, innescata dal bisogno delle aziende di promuovere e far comprare tutte le novità presentate ad aprile al Salone del mobile.

L’evento - ideato, coordinato e promosso da DesignPartners (organizzatore, tra le altre attività, di ZonaTortona Design) - coinvolgerà la città tra percorsi di showroom, negozi di design, iniziative culturali ed attività d'intrattenimento, che animeranno le vie di Milano.

Milano design-in-the-city renderà protagonista la città invitando il visitatore a scoprirla, vivendo un'esperienza insolita ed intensa: il pubblico usufruirà di circuiti tematici pensati per i consumatori che potranno acquistare le novità alle migliori condizioni, conoscere le ultime tendenze e innovazioni, avere l'opportunità d’incontrare i protagonisti del design internazionale, visitare gli studi dei designer e approfondire i contenuti nel corso di un lungo weekend.

Le parole chiave di Milano design-in-the-city sono tre: shops, cultura e intrattenimento.
Oltre sessanta le aziende che nei loro showroom e punti vendita con apertura straordinaria, anteprime di prodotto ed happening, creeranno occasioni di comunicazione, di relazioni e di vendita.
Un nutrito palinsesto di appuntamenti dedicati all’innovazione e al design coinvolgerà più spazi culturali della città, ma anche hotel, spa, locali e ristoranti di design aderiranno con un percorso dedicato all'intrattenimento e all'ospitalità.

“La forma dei sogni” sarà il leitmotiv che accomunerà le iniziative organizzate all’interno dei negozi e showroom, dall’allestimento delle vetrine, all’organizzazione degli eventi e delle offerte commerciali. “Il tema nasce dal desiderio di comunicare ed esprimere i contenuti del design: continua ricerca verso il miglioramento della qualità della vita ... perchè il design dà forma a sogni e desideri” , la migliore interpretazione del tema sarà premiata al termine dell'evento da una giuria indipendente.

Inoltre, showroom e negozi metteranno in palio prodotti di design in un concorso a premi aperto a tutti i visitatori di Milano design-in-the-city: “i visitatori potranno girare per le vie della città, curiosare e acquistare gli oggetti che preferiscono. Ma potranno anche vincerli, partecipando a un concorso. Chi descriverà meglio in poche battute l’oggetto dei suoi sogni, infatti, si aggiudicherà un regalo prestigioso”. (Luca Fois, presidente di Design partners)

Milano design-in-the-city - con il patrocinio del Comune di Milano e la collaborazione di ATM - per visitatori e partecipanti organizzerà punti di accoglienza e d’informazione strategici, e una novità: a differenza degli altri eventi internazionali di design i percorsi cittadini saranno tutti percorribili a piedi. Su ogni strumento di comunicazione verranno indicate le fermate delle linee metropolitane, i punti BikeMI e le fermate della “Circle line of design” (linea 94), riportando anche le distanze e il tempo necessario per raggiungere a piedi i differenti punti del circuito. Gli organizzatori promettono che questa “accurata mappatura e informazione diffusa, articolata on e off line, permetterà ai visitatori di scegliere e programmare i possibili percorsi sulla base dei personali interessi d’acquisto”.

Modello delle location - Infopoint - Vasi per segnaletica showroom.

www.milano-designinthecity.com
www.designpartners.it

Contatti
welcome@milano-designinthecity.com
press@designpartners.it

I giovedì del design alla Design Library di Milano!

2009-10-06T16:02:00.005+02:00

Riprendono “I giovedì del design”, gli appuntamenti settimanali promossi da Design Partners con il patrocinio di ADI, presso la Design Library di via Savona a Milano.
Giunti alla quarta stagione, il ciclo d’incontri che coinvolge noti designer/architetti internazionali e professionisti di ambiti creativi diversi (mondo accademico, produttori, progettisti...), sono occasioni di confronto tra persone di differenti realtà su temi e interessi comuni; momenti di riflessione, di dialogo e approfondimento per conoscere meglio la realtà contemporanea del design, l’iter progettuale di prodotti di successo e per scoprire giovani talenti.

Sette i temi degli incontri: cinque sperimentati nella stagioni precedenti (“Alla Castiglioni” - “Giovedì ADI” – “Il Design Sostenibile” – “La Fabbrica del Design” – “Progettare il Futuro”) - e due nuovi: "Design identity - design e comunicazione: i protagonisti si raccontano", rivolto al visual design, e "Vitamina D - Porte aperte ai giovani designer", per dare visibilità ai giovani che hanno appena concluso gli studi o che si muovono per la prima volta nel mondo della progettazione/produzione.

Ed è proprio la nuova sezione “Vitamina D” che lo scorso giovedì 1 ottobre alle ore 21:15 ha inaugurato il nuovo ciclo di incontri con il designer Odoardo Fioravanti che, dopo una retrospettiva dei suoi pezzi, ha presentato tre giovani designer emergenti da lui selezionati: Meneghello Paolelli Associati, Sovrappensiero ed Emo Design (tutti Design Studio).

Design Library, inoltre, propone un fuori programma: in occasione del prossimo evento Milano design-in-the-city, inaugurerà la mostra “R.S.V.P.: 1000 inviti di moda, arte e design” , che resterà aperta dal 22 al 27 ottobre.

L’appuntamento settimanale de “I giovedì del Design”, che accompagna per tutto l’anno appassionati ed esperti di design, è un’ottima opportunità per conoscere Design Library.

Aperta nell’aprile 2006 come "prima biblioteca interamente dedicata al design", luogo di ritrovo, di lettura e di studio, con oltre 2000 volumi e postazioni con connessione internet wi.fi, oggi lo spazio è un vero e proprio punto di riferimento per la promozione e la diffusione della “cultura del design”.

Dopo Milano, Design Library nel novembre 2007 apre la sua seconda sede a Shanghai, seguita a giugno 2009 dall’inaugurazione di una nuova location nella città di Istanbul, in occasione dell’ IDW- design weekend ’09.
Nasce così e si sviluppa il progetto di Design Library, un network internazionale di biblioteche dedicato al design nelle principali città del mondo con lo scopo di promuovere il design e offrire “la possibilità di condividere e scambiare esperienze tra culture diverse” (Valerio Castelli, presidente di Design Library).
Le parole d’ordine sono: studio, ricerca, incontro, scambio e consultazione!

Negli ultimi tempi Design Library si è ampliata con l’apertura di Design Library Cafè.
A separare i due spazi, semplicemente un vetro, per sottolineare la continuità e la volontà di scambio fra le due realtà (concept di James Irvine e Maddalena Casadei, gli stessi progettisti delle sedi di Design Library).

Tutti i giovedì dalle ore 21.00 presso la Design Library,
via Savona 11, Milano.

www.designlibrary.it

www.designlibrarycafe.it/

LONDON DESIGN FESTIVAL 2009

2009-09-23T11:56:00.028+02:00

Londra in questi giorni ospita il London Design Festival, un evento imperdibile all’insegna del design e dell’arte! E’ la più grande celebrazione annuale di progettazione del Regno Unito! Per l’occasione, la capitale, si è rimessa a nuovo con mostre, iniziative, appuntamenti e installazioni disseminate in tutta la città.

Un esempio?

“The Tournament” , a Trafalgar Square, l’opera del designer spagnolo Jaime Hayon: una gigantesca scacchiera di piastrelle di vetro-mosaico, con 32 pezzi di scacchi in ceramica alti 2 metri! E se sei un fan del gioco di scacchi, puoi partecipare e fare una partita, altrimenti guarda e goditi i pezzi che riproducono edifici-icona di Londra!

Sostenuto dal governo, dal settore della progettazione e dalle imprese leader, il London Design Festival offre una piattaforma per i migliori talenti di progettazione della capitale e l'occasione unica di visitare, oltre ai 200 eventi specifici, le attività e le industrie creative sul posto di lavoro.
Il festival, infatti, apre le porte al pubblico: studi aperti, lanci di prodotto, fiere, grandi mostre internazionali, viste private che mettono in luce la molteplicità del talento creativo.

Lo slogan del festival è:

Il design non è una cosa che fate. E 'un modo di vivere!

The London Design Festival is an annual event established to celebrate and promote London as the creative capital of the world.

"The London Design Festival is a spectacular celebration of world-class talent across the city, shining a bright light on the amazing creative people that make London the design capital of the world. The Festival reflects the growing worldwide recognition of the power of design to change things for the better, to help deliver economic prosperity and to improve quality of life. Whether you want to be inspired, informed, talk business or just soak up the atmosphere, there is something for you to see and do. The Festival is now a major event on the global design calendar, attracting thousands of visitors from around the world. As a leading cultural event in London and one of four key international events in the city’s autumn creative season, the Festival continues to evolve. I hope you will be part of its future."

Sir John Sorrell – Chairman, London Design Festival

Urban Swap Party : l’arte del baratto a Milano.

2009-09-23T08:15:00.027+02:00

A Milano, in quest’ultimo weekend di settembre (25, 26, e 27, dalle 18 alle 23), si terrà lo Urban Swap Party, prima esperienza italiana di integrazione tra swap boutique, temporary store e art gallery.

Per l’evento - interamente dedicato all' eco- baratto - è previsto un programma ricco di occasioni, appuntamenti, 'corse in tram', e performance di artisti e designer che espongono le loro opere di 'recycled art', a favore della sostenibilità.

Prima tra tutte è l’associazione D.O.C / Dergano Officina Creativa che, in sintonia con l'Atelier del Riciclo (promotrice della manifestazione), ha messo a disposizione la creatività dei suoi 'nuovi artigiani’.
D.O.C. è una realtà insolita e nuova a Milano: nel quartiere Dergano-Bovisa, diverse botteghe artigiane si sono coordinate per far rinascere la cultura del ‘fare’, oltre che del ‘pensare'. Sono differenti identità creative di laboratori, showroom e atelier dove si realizzano opere di ceramica, di restauro, di falegnameria, di pittura, di lavorazione del metallo come di fotografia, grafica e molto altro…
Una schiera di creativi, che trovano in questa periferia storica milanese il luogo ideale per le loro attività.

Ma in mostra, per la “recycling art-exibition”, ci saranno anche opere e installazioni di:

Caira Design, stilista; Lorenzo Crivellaro, designer di complementi d’arredi; Polignum, restauratori creativi; 1380, spazio d’arte e d’arredi; Arlette Vermeiren, pioniera della recycled art, Marilina Fortuna, artista di junk upcycling; Alice Pazzi, astropittrice; Riccardo Grazioli, graphic designer; Pippo Basile e Giancarlo Zompi, eco-artigiani del legno; Alessandra Bondi designer del verde, Maddalena Rocco, designer di gioielli e Filippo Minelli, street artist.

L’esposizione si estende dalla Swap Boutique a tutta la location Spazio Asti 17, partner anche organizzativo di questa art-kermesse.

DOVER STREET MARKET: un "mercatino" a Londra!

2009-09-18T22:06:00.013+02:00

Nel centro di Londra, a Mayfair, in Dover street, c’è un “mercato” molto particolare: in vendita una ricercata selezione di capi e accessori delle più prestigiose griffe, oggetti e arredi di designers e collezioni in edizione limitata, come i mobili di Hedi Slimane!

Entrando nel “Dover Street Market” si prova l’istinto irrefrenabile di curiosare ed esplorare tutto ciò che è in “mostra”.

Sì, perché tutto è esibito in originali installazioni che fanno pensare a delle gallerie d'arte: dalle pareti totalmente nude, ai tubi in alluminio a vista, alle sale affollate di gabbie e teche con animali impagliati, fino ai camerini prefabbricati installati fuori dal negozio!

Ma non fatevi ingannare dall’apparente casualità: dietro c’è la sapiente regia di Rei Kawakubo, la famosa stilista giapponese fondatrice di Comme des Garçons. Ideato e aperto da lei nel 2004, questo concept store è basato su un suo unico desiderio: ''An ongoing atmosphere of beautiful chaos''!
Un enorme spazio comune dove artisti, designer e stilisti e le loro creazioni si mescolano in una straordinaria atmosfera di “caos creativo”. A ciascuno, Rei Kawakubo, offre uno spazio da allestire e sviluppare a piacere, in cambio chiede "punti di vista" personali e liberi.

Così, arte, design e moda convivono in questo "think thank building" di 1200 metri quadri sviluppati su sei piani, dallo spirito anticonvenzionale, pieno di “confusione ed energia”, in cui l’idea comune del “mercatino” è rimpiazzata dal concetto di "sinergia accidentale".

Imperdibili le antichità raccolte qua e là, oggetti incantevoli e insoliti, e le sue vetrine d'autore…

Photos by D+Arch

24ª EDIZIONE DI ABITARE IL TEMPO - “TOTAL LIVING”, IL MOSAICO DELL’ABITARE IN MOSTRA A VERONA

2009-09-05T14:55:00.049+02:00

Tra un paio di settimane s’inaugura la 24ª edizione di Abitare il Tempo 2009 (Verona, 17-21 settembre), la manifestazione italiana più esclusiva per l’arredamento d’interni.
Qui il passato incontra il futuro, la tradizione dialoga con l’innovazione, il talento italiano si rende visibile al mondo. Tradizione, novità, architettura, design, artigianato e industria, produzione e distribuzione si incontrano nell’unica rassegna italiana in grado di riunire 18 diversi settori merceologici, realizzando un’idea dell’abitare d’eccellenza.
Per questo, Carlo Amadori ha firmato per l’edizione 2009 un’immagine rappresentativa: un ‘fiume di idee’ attraversa Verona, il luogo nel quale le idee prendono forma, dando vita ai nuovi scenari dell’abitare.Il let-motiv di questa edizione è la formula del ‘total living’: il mosaico dell’abitare si ricompone creativamente per offrire un quadro ampio, trasversale e armonico della qualità capace di proiettarsi oltre la crisi, dal progetto alla distribuzione.

Inoltre, Abitare il Tempo ha rinnovato il look.

La novità di quest’anno è data infatti dal nuovo allestimento, sobrio, funzionale e confortevole sia per la zona dedicata al classico che a quella del contemporaneo.

Altra novità della rassegna è il progetto esterno di 15.000 mq., interamente dedicato all’arredamento outdoor, a cura di Frassinago Lab. L’area, situata nel piazzale della fiera antistante i padiglioni, sarà riservata alle proposte delle migliori aziende rappresentative di questo comparto, in costante crescita negli ultimi anni, dando vita ad un piccolo ma organico salone-nel-salone.

Tra gli appuntamenti segnaliamo:

YDMI FOR EUROPE

YDMI Young Designers Meet the Industry arriva per la prima volta in Italia ospite speciale di Abitare il Tempo 2009. YDMI è una speciale formula di workshop ideata e brevettata nel 2007 dal German Design Council per favorire la promozione e la comunicazione dei giovani designer. Il prestigioso istituto tedesco ha già prodotto a Berlino, negli ultimi due anni, le prime edizioni dell’evento raccogliendo un grande successo di critica.

Abitare il Tempo, con particolare attenzione alla propria vocazione internazionale, ha invitato insieme al German Design Council - depositario del brevetto - anche l’equivalente istituto fiammingo, il Design Vlaanderen, allargando così il dialogo verso il mercato di una delle più prosperose regioni d’Europa, le Fiandre.

Il workshop coinvolgerà 10 giovani designer italiani, 10 belgi e altrettanti tedeschi e un gruppo di tutor selezionati tra i rappresentanti di aziende del settore ai quali saranno affidate le letture a tema. La selezione dei designer e dei tutor italiani sarà garantita grazie al sostegno dell’ADI, dello IED, di INNOVeTION VALLEY e altre qualificate istituzionali nazionali.

VERONA CITY EVENTS

Con il progetto Verona City Events, la città offre ai visitatori un ricco programma di mostre ed eventi di design, arte e moda.

Il programma completo della manifestazione, l’elenco degli espositori e dei partecipanti agli eventi collaterali, saranno disponibili sul sito wwww.abitareiltempo.com, dal quale si potrà anche accedere ad Abitare il Tempo TV, con servizi e reportage sull’edizione 2008 e anticipazioni del 2009.

Teo Jasmin: between poetry and humor.

2009-09-02T11:49:00.023+02:00

Angéline Bailly è una grafica free-lance che trova l’offerta della decorazione murale né ricca né particolarmente creativa, così si lancia nella creazione di tele digitali montate su telaio fuori formato, e fa furore alla prima fiera “Maison & Objet” a cui partecipa.
Nel 2001 nasce Téo, il suo primo bambino, e usa lo stesso nome per la società che ha appena fondato: “Téo Jasmin” , un'azienda di interior design specializzata in stampe digitali con sede a Parigi.

Ci crede e ha ragione!

Téo Jasmin, è oggi un gruppo di dodici persone e due dipartimenti, uno studio e un polo dedicato alla creazione di oggetti decorativi. Ci sono anche 250 punti europei di vendita, un negozio parigino ed un progetto di concept store.

Nuove collezioni vengono lanciate due volte l'anno:
gli anni 50 / 60, le superstar francesi come Brigitte Bardot in versione pop fanno parte della collezione 2009 insieme a Italia, San Francisco e Doggy Queen. Una straordinaria varietà di universi in stampa digitale su tela, cuscini, poltrone, sedie, sofà e wall-stickers.

Segni particolari di Téo: umorismo e poesia!!!

Teo Jasmin

TEO JASMIN

Angéline Bailly is a self-taught free-lance grafic designer .
She and her sister, under the name Teo Jasmin,have launched the trend of cushions,decorative paintings and design creations from digital printing.
She describe herself as a self-taught designer who finds the actual wall decoration supply neither so much reach nor so much creative and is looking for something else.
Thus she decides to explore digital techniques mixing design with photographic art.
She starts creating digitally printed large format canvas on wooden chassis and quickly makes a staggering impression at her first "Maison et Objet" fair participation.
In 2001 Teo, her first child, was born and this happy event was for her a source of inspiration:
she founded a new company, named “Teo Jasmin”.
Ever since, Teo Jasmin never stops to amaze us for its creativity.

Teo Jasmin is today represented by twelve people and two departments, a trend office and a workshop dedicated to the manufacturing of decorative objects.
Teo Jasmin is also spread all across Europe with 250 selling points, runs a Parisian boutique and has a concept store project.

New collections are launched twice a year. 50s / 60s French superstar Brigitte Bardot in pop version is the highlight of their 2009 collection along with Italy, San Francisco and more Doggy Queen images.

Previous and still successful collections such as the Beatles, NYC, London and Paris are still around.
These collections are really a rare example of digital printing art that incorporates modernity and tradition too.

All is customizable to your personal style, Pop, Rock, Ethnic, Chic,Eclectic,..

Have you find out a distinctive sign? Look better…

Poetry and humor may be the answer.

Teo Jasmin

http://www.teojasmin.com

TEO JASMIN Showroom - 6 rue des Muriers - 75020 PARIS
Tel : +33(0)1 45 21 06 22- Fax : + 33(0)1 46 70 45 28

TEO JASMIN Office - 50 avenue Pierre Semard- 94 200 IVRY/Seine
Tel : +33(0)1 45 21 06 22 - Fax : + 33(0)1 46 70 45 28

A "diary" of the garden!

2009-08-04T12:04:00.006+02:00

NATUREZA EM RISCO

Gli spazi verdi sembrano diventati un privilegio per poche persone o in cui si può accedere solo pagando un biglietto. Ma il verde è il lavoro di un’artista speciale, "La natura", e la Natura Arte non ha prezzo.

Il “Festival Internacional de Jardins de Ponte de Lima” è l’occasione per riflettere e cambiare il concetto: non pochi spazi verdi per gente fortunata, ma spazi verdi dove la “Natura Arte” è visibile ed utilizzabile per ognuno di noi.
Ogni anno, undici nuovi giardini saranno selezionati in base a questi temi e saranno visitabili dal 29 maggio al 30 ottobre.
Il giardino che hanno ricevuto il maggior numero di voti resta per i prossimi anni.
Il Festival si svolge a Ponte de Lima in Campos de São Gonçalo tra il ponte romano e il Ponte di Nossa Senhora da Guia sulla riva destra del fiume Lima - Il fiume di Forgetfulness.

Abbiamo apprezzato un particolare progetto di un giardino (spazio pubblico) dal nome "Natureza em Risco".
Questo progetto è nato dalle idee e dalle mani di Lara Plácido [architetto] e Sara Bento Botelho (scultrice), che hanno unito la forza del vento con quella dei visitatori.
Visitatori e vento possono lavorare insieme per disegnare la loro arte spontanea e lasciare un segno su un muro.
Sara Bento Botelho e Lara Placido sono state così gentili da inviarci alcune foto del loro lavoro e una breve citazione che spiega la loro installazione:

"...fará crescer um “diário” do jardim, sobrepondo registos espontâneos e arbitrários, produtivamente artísticos pela acção do vento nas varetas que, munidas de riscadores nas extremidades, funcionarão como impressora eólica da intervenção dos espectadores dispostos a interagir com elas e assim, a criar o desenho do seu percurso."

photos by Lara Placido & Sara Bento Botelho

FESTIVAL DE JARDIN DE PONTE DE LIMA

In the world actually a lot of plants,vegetables, animals and species are threatened by exinction and green spaces seem to be becoming a privilege for few people or spaces where you can have access just paying a ticket. We are firmly convinced that this conception must change, because the green is the work of a special artsit, “The Nature”, and the Nature Art has no price.
The Ponte de Lima International Garden Festival “... contribute on a local, national and international level to greater awareness of the art of the garden and to an increase in the importance of gardens and of green spaces in improving the quality of life of citizens, creating a movement that brings flowers, plants and art into closer contact with the urban space and is simultaneously a force for the preservation and enhancement of the values of the rural landscape.”

It is opportunity to think about the changement of the concept:
no few green spaces for lucky people but green spaces where Nature Art is visible and usable for everyone of us.
Every year eleven new gardens will be selected in accordance with these themes.
Each year from the last Friday in May until 30 October, we can visit them.
The garden that received most votes remains for the next year.
The Festival takes place in Ponte de Lima on the Campos de São Gonçalo between the Roman Bridge and the Bridge of Nossa Senhora da Guia on the right bank of the River Lima – The River of Forgetfulness.

We appreciated a particular project for a garden (public space) called "Natureza em Risco".
This project was born from the ideas and hands of Lara Plácido [architect] and Sara Bento Botelho (sculptor) who have merged the power of wind with the power of visitors.
Visitors and wind can work together to draw their spontaneous art and leave a sign on a wall.
Sara Bento Botelho and Lara Placido were so kind to send us some pics of their work.

In few sentences they explain their installation writing:

"...as we walk past it, will grow a "diary" of the garden, superimposing spontaneous and arbitrary records, productively artistic through the action of the wind on the rods with markers attached to their ends which will operate like a wind printer of the intervention of viewers ready to interact with them, thus creating a drawing of their journey...."

natureza em risco

http://jardim-naturezaemrisco.blogspot.com/

http://www.festivaldejardins.cm-pontedelima.pt/ing/index.htm

festival de jardins de ponte de lima

Mariscal's Exhibition at London Design Museum

2009-07-14T08:52:00.005+02:00

01 July – 01 November London Design Museum

Javier Mariscal is a famous Spanish designer and artist. Regarded as one of the world's most innovative and original designers of our time, Mariscal's rich and diverse body of work spans kooky cartoon characters to stunning interiors, from furniture to graphic design and corporate identities.
Mariscal’s intense relationship with drawing and illustration is central to his career and is the basis for his designs over the last 30 years. He gave Barcelona its graphic identity as it emerged from the Franco era and in 1992 he introduced the world to Cobi, the official Olympic mascot of the Barcelona games. Sketches, designs, films and photographs will be on display alongside furniture and textiles. Mariscal will also design and paint an elaborate mural for the exterior of the museum showcasing his unique vision and signature design style.
The London Design Museum shows his extraordinary and amusing works

tve telediario2 from estudiomariscal on Vimeo.

15-25 July 2009 Creative Minds Converge Melbourne

2009-07-11T13:19:00.034+02:00

design furniture

design furniture Photo by "stateofdesign.com".

15-25 July 2009 is the period of "State of Design Festival" in Melbourne.
During this edition the main theme is ‘Sampling the Future'.
An exciting initiative by the Victorian State Government, the 'State of Design Festival' incorporates over 100 interactive events, exhibitions, workshops and discussions between 15 and 25 July.
Australian Design sends us a clear message :design is an important part of our daily living and our communities life is taking place through design.
Real and surreal mix themselves in the reminiscent image of the traditional ‘city’ of the present and speaks of an optimistic future where design can make anything possible.
The clou exhibition is that of Convergence @ Yarra Lane.
This is a group installation presenting work by top Australian designers.
Michael L. Yates & Co. present “ Yarra Lane”, a locus where people will live the intrigue of alleyway shopping and dining to the commercial heart of South Yarra.
There will be a mixure of illuminated night paths remembering the hidden laneway bars, stores and cafés that some melbourians know when they frequent uber-trendy locations missed in the depths of the city.
Convergence also exhibits works by Nick Rennie, Laura Woodward, James Carey, Emma van Leest, Leah Heiss, the Monash Architecture Design Studio and the Spatial Research Group .
Rosie Scott will show her experience of merging interior, body, art and architecture in our communities.
But we can also find the works of young emerging australian designers as Julia Deville's jewellery.
She combines once living materials with traditional gold and silversmithing techniques. At first time her work could seem macabre because she makes jewellery and objects out of dead animals. But her jewels are really captivating and amazing as we can see visiting her site at http://www.juliadeville.com/.

We learned a lot about her strange art just giving a look at an interesting interview on http://www.abc.net.au/tv/enoughrope/transcripts/s2415244.htm.

design

design furniture Photo by Julia Deville's collection.

Another emerging young australian group is Moth design. As we learned from their web page, http://www.mothdesign.com.au/, they don’t do just design but fashion too.
All their work is a mixture of Textile, Sound, Graphic, Interior, Furniture and New Media.
Their innovative research is the use of advanced technology.
In their “manifesto” they declare:
“(We)Are concerned about exploring the social and environmental implications of emerging technology in design.”
They say:
“We aim to infuse critical thinking, sustainable practice and energy into all of our projects.”

Design Furniture Photos by Moth Design album on Flickr.

Over 100 exciting and differnet events, exhibitions, installations and experiences across Metropolitan Melbourne and regional Victoria will give us the sense of designing for the future.

If you can, don't miss this exstraordinary event in Melbourne.
Not many people know Australian design. It may be the occasion to begin!
See you at 9 Yarra Street, South Yarra, Melbourne.
Until 17 August 2009 this amazing event is opened to the public coming from all the World.

design furniture

KABK + Design Why? Una piattaforma sul design in un mondo caotico!

2009-07-05T16:00:00.021+02:00

DESIGN WHY?

La Royal Academy of Art de L’Aja (KABK) è sinonimo di “innovazione, sperimentazione, improvvisazione, analisi, riflessione e comprensione”. Reputa l’arte, a livello nazionale ed internazionale, una delle “fonti privilegiate” per infondere energia nelle società odierne.
Per gli studenti della più prestigiosa accademia d’arte olandese, il Salone del Mobile di Milano è un’occasione straordinaria per far conoscere la propria idea nel mondo del progetto. L’hanno dimostrato già l’anno scorso firmando un nuovo concetto di mostra: la Royal Dutcheese, in un’ex fabbrica di formaggi (Custodi 6)!

Così, per la loro seconda volta alla Design Week Milanese, gli studenti della KABK confermano la loro vocazione sperimentale e sociale, scelgono la Fondazione Maimeri in Corso Colombo 15 per dare il via alla “piattaforma multi-disciplinare” Design Why? provando, insieme a numerosi partners, a dare risposte alle seguenti domande:

Per chi progettiamo? Dove va il design oggi e come apparirà domani? E i designer, ora, come si confrontano con un mondo così cangiante? La creatività è d’aiuto per il mercato? Può offrire impulsi adatti a creare nuove possibilità e soluzioni in tempi di recessione per rendere il mercato di nuovo sano?

Durante i quattro giorni della stimolante iniziativa, un’atelier dinamico - allestito dai giovanissimi studenti della KABK - ha offerto colazioni con la stampa e ospitato incontri, conferenze, interviste e dibattiti aperti al pubblico, durante i quali designers, produttori, studenti e giornalisti si sono alternati come relatori sui temi complessi della progettazione, produzione e distribuzione attuale.

“La diversità della società attuale influenza il design, l’architettura e la comunicazione visiva. Se un prodotto avrà successo, questo dipenderà dalle turbolenti dinamiche di consumo della società.” Gli studenti di KABK hanno interagito con questo tema, presentando i progetti anche all’esterno della sede di Corso Colombo 15 e intervistando i visitatori del 48° Salone del Mobile di Milano sul “design di oggi e domani”.

Design Why? È un progetto di Royal Academy of Art, L’Aja www.kabk.nl, Creative City The Hague (CSDH) www.csdenhaag.nl, Design The Hague 2010-2018 www.designdenhaag.eu , Premsela Dutch Platform for Design and Fashion www.premsela.org, Dutch Design Fashion Architecture (DDFA) www.dutchdfa.nl e le riviste Items www.items.nl, Abitare www.abitare.it

KABK + Design Why? A platform about design in a chaotic world!

The Royal Academy of Art in The Hague (KABK) is synonymous with “innovation, experimentation, improvisation, analysis, reflection and understanding." They consider art, both nationally and international produced, a preferred source for infusing energy in today’s societies. The Royal accademy of Art is the most prestigious art academy in Netherlands and its partecipation to the Salone del Mobile during the Milan Design Week was an extraordinary opportunity for students to raise the awareness of their ideas in the world of project. Last year they just demonstrated their new concept of art signing a new kind of exhibition: the Royal Dutcheese placed in a former cheese factory (Custodi 6)!

So, for their second time at Milan Design Week, KABK's students confirmed their experimental and social vocation, choosing the Fondazione Maimeri Corso Colombo 15 to give a start to the "multi-disciplinary" Why Design? test, involving different partners. They tried to give answers to the following questions:

For whom do we make design? Where does design stands today and how will it look like tomorrow? How do you, as a designer, keep up with an ever changing world? Can creativity offer impulses to offer new chances to the consumer market?

During the four days of stimulating initiatives a dynamically atelier was created and organized by the young students of KABK. They offered breakfasts with the press, lectures, interviews and debates opened to the public, during which designers, producers, students and journalists were alternated to discuss about complex issues of actual design, production and distribution.

"The diversity of present society influences design, architecture and visual communication. Whether a product is successful depends on the turbulent dynamics of our consumer society." KABK students interacted with this theme, presenting their other projects outside of the Corso Colombo 15, interviewing and questioning the 48th Salone del Mobile visitors about the “design of today and tomorrow. "

MilanDesign Why? is a project by the Royal Academy of Art, The Hague www.kabk.nl, Creative City The Hague (CSDH) www.csdenhaag.nl, Design The Hague 2010-2018 www.designdenhaag.eu , Premsela Dutch Platform for Design and Fashion www.premsela.org, Dutch Design Fashion Architecture (DDFA) www.dutchdfa.nl, and magazines and journals such as Items www.items.nl, and Abitare www.abitare.it

MoMA Line of People Project

2009-06-17T14:46:00.011+02:00

If you are in New York City don’t miss the Moma Line of people.
Moma,the famous Museum of modern Art,needs people of all ages and backgrounds
"to represent a real slice of New York" for a giant MoMA banner that will stretch along the museum's West Lot fence on 53rd St. for the rest of the year

Photo by Moma

As Paul Valéry wrote

( Pièces sur L’Art, 1931,Le Conquete de l’ubiquite)

“In all the arts there is a physical component which can no longer be considered or treated as it used to be, which cannot remain unaffected by our modern knowledge and power. For the last twenty years neither matter nor space nor time has been what it was from time immemorial. We must expect great innovations to transform the entire technique of the arts, thereby affecting artistic invention itself and perhaps even bringing about an amazing change in our very notion of art."

A professional MoMA photographer will be taking full-length photographs of visitors, staff members, friends, and family. A selection of these pictures will then be assembled into a graphic rendering of the MoMA ticketing line (which often extends alongside the 53rd St. fence)

So common people become a living banner for a ticketing line.

Participants are needed for any and all days and they will be part of a photo that is at the same time art, sculpture and advertising.

To participate, stop by the MoMA lobby near the film desk (entrance at 11 W. 53rd St.) June 17, 18, or 19. Come as you are, dressed as you like (the more colorful the better) and enjoy this new art-joke by Moma.

But if you don't like to appear like a living ticket you can go to visit this incredible musem of modern art that realized too a very nice virtual gallery on the web.

For questions, call Melanie Malkin at (212) 333-1272 or visit Moma

IED BARCELONA & VOICE CONSTRUCTOR @ SONAR FESTIVAL

2009-06-11T11:58:00.039+02:00

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VOICE CONSTRUCT0R
An interactive “tangram” through the use of the voice

Sonar Festival June 19, 20, 21

- The installation belong to the exposition “Mecanics” of Sonarmática
- Voice Constructor construct geometric shapes and colours on a screen
- Squares, cylinders and triangles….generates depending of the intensity of the sound.
- A multidisciplinary group of students of Visual Arts of IED Barcelona has Developer this interactive construction game for children and adults.
- Is about an innovative Project and pioneer in its field.

Barcelona, june, 11 2009. The 16º Barcelona’s International Festival of Advance Music and Multimedia Art, Sonar, involved in this editions and in concrete in the “Mecanics” exposition of Sonarmática, universities institutions, like the Istituto Europeo di Design of Barcelona, to incorporate their creative contents.

The “Mecanics” exposition, that occupies all the first floor of the CCCB, undertakes the fascinating World of the musical instrument built from the robotics and the technology under the theme “Do It Yourself” (Hazlo Tú Mismo).

The installation Voice Constructor, Develop under these criteria, is the result of a multidisciplinary project made by the student of Video Design, Media Design and Graphic Design courses of the IED Barcelona.

Voice Constructor is a puzzle and an interactive construction game though so that a minimum of two people can play. Through the voice, one build the geometric pieces which completes the different drawings on a big screen and the second player, with the help of a wii control, can displace them and rotate them on a second screen of 4,80x2,5m completing the puzzle.

Inspired on the tangram games and the children games colour pieces, Voice Constructor propose an experience, directed to the wide audience of Sonar, that follows the premises of the festival: do it yourself y hand made. The result is an innovative exercise of a multimedia experiment that goes around 3 axes: the sound, the image and the interaction, translated in terms of the human voice, geometric shapes and expression games (voice and body).

Is a multidisciplinary work of similar complexity to the production of a videogame, in which they take part a script, investigation, conceptual analysis, production of story-boards, graphic design, processing (programming language) and animation motion graphics….

In addition, Voice Constructor also participates in the new section of this festival, SonarKids, that will permit the kids to approached and interact in a creative and amusing way to a new means to understand the instrumentation and the musical composition, so that they can learn while they observe, they listen or they manipulate some of the interfaces, new software and actual installations in the exposition.

AUTHORS

Original Concept: Horacio Herrera

Vídeo Design: Alejandro Sardà Sagarra, Carlos Nieves, Valentina Magini, Clarisse
Castelo Branco Rodriguez, Javier Molina Badrines
Graphic Design: Yosip Sverko, Rodrigo Molas, Wendy Figueroa, Alfonso Molas
Polina Raevskaya, Juani López
Media Design: Adrian Ortúzar, Christian Villacañas Camps, Ivan Córdoba
Pérez, Mia Leizerovitz, Horacio Herrera, David Torres

COLABORATORS

Direction: Sebastián Puiggrós y Chema Longobardo
Programming: Aleix Fernández
Coordination: Fabio Filippi

DMY International Design Festival Berlin 2009

2009-06-03T10:30:00.068+02:00

DMY BERLIN 2009

DMY BERLIN 2009

Oggi è partita la 7° edizione del DMY International Design Festival Berlin dal tema “Same same, but different” (ovvero “Stesso stesso, ma diverso”) che quest'anno, come suggerisce il titolo, si concentra in particolare sul "design che fa la differenza".
Nato dalla volontà del DMY Berlin - una piattaforma di design contemporaneo e interdisciplinare per i giovani creativi - come evento di nicchia, negli anni si è trasformato in un’ importante vetrina per prodotti innovativi, prototipi e progetti sperimentali di giovani talenti e designers emergenti.

DMY BERLIN insieme ai CREATE BERLIN, sono i 2 network di design berlinesi che attualemente sostengono e promuovono la creatività berlinese. Sono gli stessi che nella trasferta milanese del Fuorisalone 2009 hanno rappresentato l'eccellenza del design berlinese con 6 rinomati studi - COORDINATION, E27, ett la benn, llot llov, Werner Aisslinger e Zeitgeist Toys - sotto il nome “MADE IN BERLIN 09” per proporre in un progetto espositivo comune in Zona Tortona e al Mercedes Benz Brand Center.

In questa edizione 2009 il DMY International Design Festival Berlin è cresciuto, apportando grandi novità:
accanto al DMY Youngsters (giovani designer emergenti + studi di design internazionali + accademie europee) presenta, per la prima volta, il DMY Allstars (affermati designers e studi di fama mondiale) in un secondo spazio espositivo centrale (IMA Design Village). Parallelamente inaugura il nuovo modulo DMY Extended, una sorta di "città-satellite" con un vasto programma di mostre, conferenze, workshop, performances e feste, che contagia e inonda di creatività tutta la città, aprendo a tutti le gallerie, gli atelier e gli studi.
L’offerta del festival non finisce qui: gli altri imperdibili appuntamenti sono con il DMY Symposium (ciclo di lezioni e seminari), il leggendario DMY Klublabor (programma di parties/night-clubbing) e il DMY Shop, che offre la possibilità di acquistare i prodotti in mostra.

dmy berlino 2009

DMY International Design Festival Berlin 2008.

"Walking-Chair Design Studio", "Studio Aisslinger", "DMY Opening Night".

Photos by Anna k.o.

L’obiettivo comune è "tentare di cambiare la città, almeno per un periodo di 5 giorni"!

E siccome "un buon design merita una ricompensa", per la prima volta, DMY Berlino si associa con la Bauhaus-Archiv/Museum für Gestaltung per assegnare il "DMY Awards", il premio al migliore prodotto tra tutti quelli esposti al festival.
I progetti partecipanti sono stati selezionati da una giuria d’eccezione, composta da personalità di fama internazionale nel campo del design, dell'arte e della scienza (Jurgen Bey, Ines Kaag & Desiree Heiss, Jürgen Mayer H., Jerszy Seymour, Kyoka), che hanno scelto Berlino come loro nuova casa e ambiente di lavoro.
La cerimonia di premiazione avverrà all'interno della tradizionale Designer Dinner, in cui la giuria del festival annuncerà il vincitore del 2009 insieme con il Dr. Anne Marie Jaeggi (direttore del Bauhaus-Archiv/Museum für Gestaltung).

DMY International Design Festival Berlin 2008.
"Lingor" by Mark Braun.
Image © 2008 DMY Berlin.

DMY International Design Festival Berlin 2008.
"Ploop" by Oscar Zieta.
Image © 2008 DMY Berlin.

Berlino, con questo evento, si conferma come sede della scena del design internazionale e non solo, è una calamita per i creativi di tutto il mondo.
Ciò è dovuto soprattutto alla rapida evoluzione d’influenze e tendenze che si verificano all'interno della città, che generano un entusiasmante mosaico di stili e la trasformano in humus per il dialogo, il progresso e la crescita intellettuale.
Per questo Berlino esercita una forte attrazione non solo sui giovani, ma su un numero crescente di persone - soprattutto artisti e creativi – che arriva per lavorare e finisce con il viverci.
E’ lo spirito, l'atmosfera della città, l’atteggiamento aperto e flessibile, che porta un flusso spontaneo e naturale di sperimentazione e innovazione.

Il design è nell'aria a Berlino: non perdete l'opportunità di respirarlo!

DMY
BERLINO
2009

DMY BErLIN 2009
The 7th edition of DMY International Design Festival Berlin 2009, whose slogan is “Same same, but different”, will take place from Wednesday to Sunday, 3rd - 7th of June 2009. Over the period of 5 days the DMY International Design Festival Berlin will show works by internationally acclaimed designers as well as will reveal prototypes produced by the young talent the festival.
This year the attention will especially focuses on design that makes difference.
Presenting three huge main exhibition zones next to a varied program of lectures, panel talks, performances and parties, the festival itself tries to change the city at least for five days.
The Festival will continue to grow in 2009.
Besides the DMY Youngsters ( emergine young designers who cooperate with design studios located in Europa, Asia e Australia and with English, Duch, German, Swedish and Czech design accademies ) there will be for the first time a second important central stand (IMA Design Village) and the DMY Allstars ( where international successful designers will exhibit their works).
At the same time a new module will be born: DMY Extended, a sort of "satellite city", where a vast program of special exhibitions, conferences, workshops, ateliers, open studios, performances and parties will take place.
Others unmissable events are the DMY Symposium (lectures & workshops) or the legendary DMY Klublabor (parties/night-clubbing program) that during this festival edition will be expanded.

DMY International Design Festival Berlin 2008. El Ultimo Grito at "Bombay Sapphire Lounge". Photo by Mario Feo.

They have given themselves this common aim: " Let's try to change the city in 5 days "!

The traditional Designers Dinner, where an international jury presented a selection of 10 junior designers in 2008 will evolve into the DMY Awards.
The festival jury is made by famous international personalities in the fields of science, arts and design (Jurgen Bey, Ines Kaag & Desiree Heiss, Jürgen Mayer H., Jerszy Seymour, Kyoka) that have choosen Berlin as a new home and work environment, as to underline the strong creative energy coming out from this city.
Because a “good design is worth receiving a good reward” for the first time DMY Berlin 2009 joined to the Bauhaus-Archiv/Museum für Gestaltung to assign a special aword , called the “DMY Awards”, to the best project between all the projects and all the products exhibited during the festival days.

Berlin, with this special event, confirmed itself as a special stage for the international design.
And that’s not all: Berlin is like a magnet that attracts the creative people from all the world.
There are a lot of reasons for this: the quick diffusion and progress of trends and styles, that in Berlin were born, is becoming now an interesting and exciting mosaic of ideas and products and an ideal fruitful ground for dialogue, further progress, and intellectual growth.
Berlin is really a magnet that exerts a strong attractive power not just over the young but over an increasing and larger number of people -especially artists and creatives- who choose it to live and work.
This mixture of different people and of different living and thinking styles is the reflex of the spirit and atmosphere that you can find now in Berlin, whose opened and flexible attitude towards strangers and differences generates research, new experiments and development.
Today Berlin is an ideal place for “ trend events” .

There is Design in Berlin air, so don’t miss the opportunity to get a breath of it!

Expedia & IED Barcelona. ‘Expedia’s 1.000 challenge’

2009-05-26T11:56:00.039+02:00

ExpediaIED

Expedia.es, l'agenzia di viaggi online leader a livello mondiale, e l'Istituto Europeo di Design di Barcellona (IED) sostengono la creatività e l'innovazione lanciando ‘Expedia’s 1.000 challenge’, un progetto in cui il mondo del lavoro e quello educativo si uniscono per offrire il meglio di entrambi.Expedia IED Video.

‘Expedia’s 1.000 challenge’ è iniziato ad ottobre, i tredici studenti dell'area "Arti Visive" dello IED di Barcellona coinvolti nel progetto, hanno creato 5 originali "video virali"::"The signal", "Plane", "Ex", "Mouse" and "Magic Suitcase", visibili e disponibili in YouTube (canale Expediaied).Expedia IED Video.

Il video che raggiungerà prima le "1.000" visite vincerà il premio assegnato da Expedia: "1.000" euro da spendere per un viaggio nel luogo scelto dal vincitore.Expedia IED Video.

Grazie a questa proposta, gli studenti hanno avuto la possibilità di avvicinarsi al mondo della comunicazione on-line lavorando direttamente con Expedia.es , contribuendo all'iniziativa non solo con le loro conoscenze e capacità artistiche, ma sopratutto con umorismo, passione e la totale libertà tecnica. Hanno dato nuovo valore aggiunto per il personaggio principale e il tema: "dal comfort in un singolo clic alla libertà di creare un viaggio unico".

Expedia IED Video

Expedia.es, one of the most famous online world travel agency, and the “Istituto Europeo di Design” of Barcelona (IED) support creativity and innovation by launching 'Expedia's 1000 challenge'.Expedia IED Video.

In this innovative and creative project educational and business world joined their effort and their ideas to offer to young people their best response strategy to the challenges coming out in the world of audiovisual communication. 'Expedia's 1000 challenge' started in the month of October, when thirteen students of the "Visual Arts" courses held by IED Barcelona involved themselves in this project.Expedia IED Video.

During this new edition students created 5 original "viral videos" visible and available on YouTube (channel Expediaied): "The signal", "Plane", "Ex", "Mouse" and "Magic Suitcase". Under this new proposal, students were given the opportunity to move closer to the world of online communication working together with “Expedia.es”. They joined to this initiative by contributing not just only with their knowledge and artistic skills but with humor and sense of freedom too in the use of video and graphical techniques.Expedia IED Video.

They really combined humour, design, passion and total technical liberty giving new added value to the main character and theme: “from the comfort in a single click to the liberty to create an unique trip".Expedia IED Video.

So we suggest you to watch these videos on youtube to live the “liberty of an unique trip”.

Expedia IED Video

"You've Got a Friend" 2009 - SandFantasy

2009-05-17T10:27:00.007+02:00

This is really a beautiful video (together with many others)
made by Ilana Yahav.
She's a famous sand animation artist.
Using only her fingers, Ilana draws with sand on a glass table.
She always presents her stories with poetry and sweetness, always establishing a personal feeling with anyone of us that watch her art.